Mª del Prado Sobrino de Toro.

Revista Musical:

“Más allá del sueño”

Procedimiento metodológico.

1. Escribir el guión de la obra en función a lo que recuerdan de su época el grupo de mujeres mayores con las que vamos a trabajar. La historia será cantada, de ahí su carácter de musical.

 

1.1. Introducción.

1.2 Resumen de la obra.

1.3. Explicación de los motivos que nos han llevado ha realizar este musical.

1.4. Temas que se abordan en la obra.

1.5. Idea de fondo.

1.6. Objetivos que pretendemos conseguir en esta representación.

Entrega: 29 de Noviembre de 2004.

2. Documentación sobre la época, la música, del vestuario

 

2.1. El teatro cantado.

2.2. Escenografía

2.3. Vestuario

2.4. Los actores

2.5. Búsqueda de información sobre las películas (Filmografía)

2.6. Discografía.

Entrega: 20 de Diciembre de 2004.

 

3. Análisis y estudio del espacio real en que se prevé la puesta en escena a través de fotografías, bocetos con anotaciones de las dimensiones, los elementos fijos, técnicos y sus funciones, con indicaciones sobre los límites y las posibilidades en relación al presupuesto que tenemos del “taller del centro de adultos” de Santa Fé.

3.1. El cuerpo, la iluminación, el sonido, el vestuario, son complejos sistemas de signos, de modo que en la luz analizaremos el color, la intensidad, el movimiento, la forma; en el sonido, el ritmo, el "tempo", la intensidad: en el vestuario, el color, diseño, la textura de los materiales, etc.

-bocetos rápidos sobre la escenografía a realizar.

3.2. Análisis de los personajes y bocetos previos del vestuario, el maquillaje y el atrezzo.

3.3. Análisis de los elementos icónicos que aparecerán en la escena y que conformen una atmósfera expresiva.

Entrega: 17 de Enero de 2005.

 

4. Entrega de los bocetos definitivos y de la obra personal anteriormente comentada.

Entrega: 1 de Febrero.

 

 

 

Í n d i c e .

Procedimiento metodológico

1. Guión
1.1 Introducción
1.2 Resumen de la obra
1.3 Motivos que nos han llevado a realizar este musical
1.3 Temas que se abordan en la obra
1.4 Ideas de fondo
1.5 Objetivos de la obra
1.6 Objetivos de la puesta en escena
1.7 Conclusión del musical

2. Documentación

2.1 El teatro cantado
2.2 Contexto histórico

-La época de los 50-60
-La mujer en el cine y el teatro
-La revista porteña
-Situación de la mujer en la revista
- La comunicación escénica
- Modelo de los elementos constitutivos de la puesta en escena

2.3 Escenografía
Bocetos de la escenografía
2.4 Vestuario

-Maquillaje
- Peluquería.
- Atrezzo
-La moda de los años 30 a los 60
- Bocetos del vestuario

2.5 Los actores
Reparto por orden de aparición

2.6 Filmografía
-Teatro

2.7 Discografía

2.8 Personal del que dispondremos
Documentación del teatro
Sara Montiel
Vestimenta 1930-1960

3. Análisis del espacio real

3.1 El teatro de Santa Fe
3.2 Sistema de iluminación
Planning de luces
3.2 Sistema de sonido
3.3 Estructura del espectáculo por números

4. Conclusión del musical
“Mi cuerpo, mi hogar”
Bocetos

5. Bibliografía

 

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pág 51-53
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pág 58

pág 60-70
pág 71-72
pág 73-81

pág 82

 

 

 

1. G u i ó n.


El guión se ha hecho a partir de lo que recuerden las mujeres del taller municipal de teatro de Santa Fe, grupo del C.m. de Educación de Adultos, con las que luego representaremos la obra, y a través de una recopilación de las canciones de su época.
El guión de esta revista se titula: “más allá del sueño” y ha sido escrito por José Manuel García Ávila.

 

 

1.1. I n t r o d u c c i ó n.

En este musical hemos intentado captar a través de la lente de mujeres de entre 50 y 60 años, una visión eufórica y sumamente estilizada de un inframundo tragicómico y glamuroso, recreando las emociones impetuosas, incluso decadentes, que cautivaron la época dorada del teatro en los 30 a los 60.
Hemos tomado una historia sencilla basada en un mito primario reconocible y lo adaptamos a un mundo intensificado e imaginado, tanto erótico como reconocible. De esta forma intentaremos crear un mundo de ensueño para que el espectador pueda observar la realidad de aquellos tiempos, para que la audiencia contemporánea pueda tener acceso a este mundo de época.
En esta revista, nuestro contacto con la audiencia, nuestro dispositivo para concientizarla es la experiencia de la música o, por decirlo más llanamente, de la canción, por ello esta revista es principalmente un musical, no una ópera, es una historia narrada a través de la canción, siendo la canción una forma de desahogarse que se tiene de forma natural. De hecho hay un refrán que dice: “Cuando el español canta es que está…. O poco le falta”. De hecho la música y las canciones son críticas para la historia, incluso formas de decir lo que de otro forma no se podía debido a la censura que el franquismo implantó en España. De modo que las canciones no son simplemente un adorno sino que son parte integral de la narrativa, así que no hay mejor manera de comunicar un punto en la historia que con una representación musical
Este musical no es solo político sino social, porque esta revista de pequeño formato nos habla de situaciones, no solo del teatro en sus tiempos de apogeo, sino de las mujeres que vivían y viven en un mundo de pseudo belleza y diariamente se engañan creyendo sólo en la apariencia.

 

 

1.2. R e s u m e n d e l a o b r a.

La obra empieza en un teatro en ruinas que se va reconstruyendo a la vez que se recuerda la época de los años 30 a los 60, cantando las canciones de artistas famosas como Sara Montiel, Carmen Sevilla, Imperio Argentina, Lola Flores, Concha Piquer, Los Panchos, etc
Con ello pretendemos hacer una pequeña historia del teatro de una época determinada, en la cual, con la aparición del cine y la televisión, empezó a perder todo es esplendor que lo caracterizaba.
Dos vagabundos, irán contando esta historia desde el recuerdo y la añoranza, dado que solo con las canciones sea posible que no se entienda lo que queremos decir. También creemos que será conveniente meter, cuando veamos conveniente, un toque de humor en la obra sacando, por ejemplo, una bailarina que finge que no sabe bailar, interpretando el lago de los cisnes y que en su supuesta “torpeza” interrumpe a la presentadora.
Estos dos actores que con el tiempo se han convertido en mendigos o vagabundos, Rosa y Diego (también interpretado por una mujer), se dedican a ir de ciudad en ciudad haciendo teatro para así ganarse la vida, pero las cosas no les van muy bien porque según estos el teatro ya no es lo que era; la gente prefiere quedarse en casa viendo la tele a ir a verles actuar. A través del diálogo que mantienen entre ellos sabemos como era la situación del teatro, ya que Diego, tal como evidencian las fotos que muestra a Rosa, viajó a América, a Francia, y también estuvo en España, lugares donde hacia sus actuaciones musicales y cómicas, y de donde fue expulsado por decir lo que pensaba de forma irónica, incluso burlesca, en sus actuaciones. Este dato nos da ha entender la represión que se vivía no solo en España durante el franquismo, sino también en América, que paradójicamente pensaba que era el sueño dorado de la libertad de expresión, el paraíso donde nunca le faltaría trabajo ni comida.

 

 

1.3. Explicación de los motivos que nos han llevado a hacer este musical.

Me ha parecido interesante la propuesta de este musical porque me ofrece la posibilidad de trabajar con mujeres de más de cincuenta años y de poder materializar la obra en un teatro.
Decidí trabajar con mujeres de esta edad porque el propio lenguaje, que suele reflejar el momento histórico, es discriminatorio, es decir, se habla de quinceañeras, de veinteañeras y de treintañeras, pero a partir de aquí se habla de cuarentonas, de cincuentonas y sesentonas, términos que encierran un matiz diferencial sobre los primeros y que contienen muchas más connotaciones peyorativas que en los hombres.
Los 15, 10 y 30 años han sido las décadas prodigiosas de la mujer, aunque hoy dispongamos de más medios para mantener la salud y preparase para envejecer mejor, aumentar la calidad de vida, elegir ser madre y vivir la sensualidad sin miedo a un embarazo no deseado, así como gozar de una plenitud profesional.
El esteriotipo de la cincuentona, que significa la perdida del verdadero sentido de su feminidad y el declive de su fertilidad, se va resquebrajando al tiempo que aumenta el nivel cultural de la sociedad.
Félix López Sánchez, catedrático de sexualidad de la universalidad de salamanca, afirma: “Debemos partir de dos principios muy claros: la diversidad y la no universalidad. ¿Todas las mujeres de esta edad tienen el mismo aspecto y las mismas inquietudes? ¿Todas engordad, se abandonan en los cuidados de su cuerpo y se marchitan como si fuera el otoño de la vida, según aludía nuestro premio Nóbel de Literatura Juan Ramón Jiménez? La respuesta es rotunda: no. Ya sólo en el comportamiento sexual se observa que un tercio no se ve alterado por las relaciones de pareja, otro tercio considera que mejoran y el tercio restante afirma que empeoran. Se trata también de una época de balance, que afectará positiva o negativamente a su autoestima según los resultados”

“Porque la sexualidad humana, que trasciende del ámbito de la reproducibilidad, no es solo genitalidad, sino también comunicación, respeto, ternura, comprensión, cariño, amor. Y algunas mujeres, por diferentes razones, desentrañan este misterio a una edad madura”
(Carmen Coll, ginecóloga)

 

1.3. Te m a s que se a b o r d a n e n la o b r a.

Los temas tratados serán:
- El apogeo del teatro que va en detrimento con la aparición del cine y la televisión en la sociedad moderna.
- La censura que condena la libertad de expresión.
- El teatro como una forma de interpretación, donde puedes ser quién sueñes ser con solo ponerte una simple capa, y a la vez como un espectáculo para entretener a la sociedad.
- La revelación de la mujer, que ahora busca la igualdad, en derechos y obligaciones, con el hombre y su papel en la sociedad.
- La sensualidad, el juego de la seducción y el glamour que supuso la liberación de la mujer en una época en que imperaban las restricciones sociales y morales. Por ello trataremos de establecer un paralelismo con el erotismo del Moulin Rouge.

 

1.4. I d e a s d e f o n d o.

1. Crítica a los estereotipos de belleza que la sociedad, y sobre todo la publicidad y la moda, nos impone bajo el lema de cuerpos de seductoras y delgadísimas jovencitas, por ello hemos elegido trabajar el tema de la sensualidad con mujeres que son todo lo contrario a esos estereotipos.

2. La presencia de la mujer que sale del enclaustramiento del hogar y se mueve con soltura por el mundo urbano, adoptando actitudes que resultan provocativas, con un fuerte componente erótico, de modo que a pesar de su edad todavía puede ser objeto de deseo para los hombres, una Eva moderna y emprendedora, algo libertina y libidinosa, que se lanza a vivir la vida contemporánea, y que conquista los teatros, por lo que necesita modificar su imagen y adaptarla a las nuevas exigencias según la moda. Se presenta por tanto como una revolución de la vida cotidiana, en que la mujer recuerda como en aquella época empieza a ir sola con otras mujeres a los espectáculos, a los salones, a los teatros, que fuma, bebe, se corta el cabello, lleva falda, se maquilla, y adopta nuevos hábitos. En el espectáculo, la mujer es capaz de escapar a ser esclava del hogar y madre de familia.

3. El tema del “Don Juan”, es decir, el hombre que enamora a las mujeres con palabrerías bonitas, tal como nos muestra la figura de Diego, solo que este es más pícaro y menos caballero en el juego de la seducción.

4. La figura de la mujer, encarnada en Rosa, que está sola en el mundo y a pesar de ello no quiere “casarse” como hacen todas sino que prefiere seguir luchando sola por lo quiere, hasta el extremo de que rechaza el cortejo de Diego diciendo: “Los sobeos te sueltan las carnes. Además, no me gusta tener a nadie zumbándome en la oreja”.

5. Como en esa época de represión los vicios se llevaban a cabo en secreto, buscando alternativas para esconderse por medio de los cabaret, las casas de citas,...

 

1.5. O b j e t i v o s d e l a o b r a.


1. Reivindicar la época de esplendor que tuvieron estas mujeres en su juventud y hacer ver que aunque parezcan mayores todavía gozan de la vitalidad y “glamour” de aquella época. Una época en que el machismo entra en crisis y el movimiento femenino lucha por sus derechos y la igualdad de condiciones con el hombre. Ahora tienen más experiencia, más picardía que entonces porque saben más de la vida.

2. Afirmar la personalidad femenina que cobra conciencia de sí mismas y aboga por su independencia, trastocando el estatus social vigente.

3. Mostrar la imagen de la mujer libre e independiente, que rompe esquemas y ataduras seculares, y que tiene una considerable presencia artística en las primeras décadas del s. XX hasta ahora. Es así que intentamos mostrar a la mujer como símbolo de desarrollo social y ejemplo de liberación emprendida en una época en que empiezan a caer las concepciones vitales ancestrales.

4. Recordar la vida y el apogeo del que gozaba el teatro en su momento cumbre.

5. Extraer de esta experiencia teatral una obra plática que represente la situación de estas señoras, su identidad y los roles que se les ha impuesto a lo largo de su vida.

 

1.6. O b j e t i v o s d e l a p u e s t a e n e s c e n a.


1. Buscar la expresión corporal a través de los gestos, las miradas, el movimiento, etc


2. Intensificar el mundo perceptivo del espectador con el empleo del baile, las posibilidades tonales de la voz, la diversidad de movimientos, uso de decorados simbólicos,...


3. Reemplazar la palabra por la canción y otros sistemas expresivos, estableciendo una relación entre la comunicación verbal y la no verbal.


4. Hacer un musical en que aparezcan toques de humor e ironía.


5. Intentar generar un tipo de participación más activa por parte del público, apelando a todos los recursos posibles: provocación, agresión directa, inclusión en la llamada zona de veda, teniendo en cuenta que es espectador es activo o participativo desde el momento mismo en que ve y oye, pues a partir de su percepción construye un mundo significativo.

 

2. D o c u m e n t a c i ó n.


He intentado llevar a cabo una meticulosa investigación histórica para encontrar la forma en cómo percibía la audiencia en aquel entonces la España de la posguerra, a la vanguardia en el sexo, la música, la danza, el teatro y el pensamiento moderno, para poder representar la obra de manera fehaciente.

Debo destacar que he encontrado cierta afinidad con la historia de Montmartre a finales del siglo veinte, por ello he dedicado parte de la investigación al París del Moulin Rouge del siglo XIX, desde el can-can a Toulouse-Lautrec, pasando por los centros nocturnos, en los cuales se mezclaba en ese entonces a las clases rígidamente segregadas: aristócratas y adinerados de moda al lado de los trabajadores, artistas, bohemios, bailarinas y obreras.
El Moulin Rouge, declara Craig Pearce, fue el equivalente al Estudio 54 en Nueva Cork a finales de los 70, un lugar donde los ricos y poderosos podían mezclarse con los jóvenes, la gente bella y los indigentes. Y esa fue exactamente la idea que motivó a Zidler y a Joseph Oller a construir un “Palacio de la Mujer” basado en un baile de moda, el can-can, que era un tipo de estrip tease sexualmente retador.

 

 

 

2.1. E l t e a t r o c a n t a d o.


Si la música es un arte y el teatro otro existe la posibilidad que la suma de cómo una especie de arte elevado al cuadrado. La solución a este problema matemático la encontraron los italianos de la transición del Renacimiento al Barroco que sin darse cuenta desarrollarían un género musical que abrió a una nueva etapa de la historia de la música. Realmente se puede afirmar que existe un antes y un después con la aparición de la ópera como primera manifestación del teatro cantado.

Ya desde la antigüedad la música había tenido un hueco durante las representaciones teatrales. Sin ir más lejos durante el renacimiento, entre los distintos actos de las tragedias o comedias se intercalaban los llamados intermedios. Se trataba de puestas en escenas pastoriles o mitológicas que de una forma u otra se convertirían en el antecedente de la ópera.
Es precisamente en Florencia donde un grupo de amantes del arte que se hacían llamar Camerana Florentina empiezan a interesarse por un documento que habla de la música griega íntegramente relacionada con el estilo teatral. Era lo más parecido a un espectáculo cantado que serviría de pauta a un género musical, la opera in musica, acabado de nacer. Nunca una reunión musical había tenido tanto éxito. Los integrantes de la Camareta sintieron que había fracasado su plan de recuperar la música del teatro griego antigua pero, sin darse cuenta, cambiaron la forma de ver el teatro o la forma de escuchar la música depende de la interpretación de cada uno.

Aunque el género dramático nace durante el Renacimiento, la ópera llega as u máximo esplendor en plena época del Barroco que marca la entrada en el mundo moderno. Todas las artes en general tuvieron un desarrollo espectacular en especial, la música. Llegado el momento, la música se separa de la voz y del texto. Con esto se consigue también elevar el contenido expresivo de la letra que provoca a su vez una nueva técnica de canto, un recitado entonado llamado ópera.

En la Italia del Barroco, Claudio Monteverde, considerado el primer gran compositor de óperas, será uno de los responsables de querer dar ese protagonismo a la música por encima del texto. Además introduce el papel de la orquesta. A partir de este momento desaparece el primitivo estilo de la opera in musica que da lugar a la ópera lírica, todo un género dramático.
En este nuevo género dramático el canto aparcará el ya pasado de moda cantado-hablado.

La música escénica se manifiesta también en España donde se compusieron algunas óperas. Aunque desgraciadamente la música de las primeras obras dramáticas no se conserva, si que se sabe que los textos pertenecen a escritores de renombre como Calderón de la Barca y Lope de Vega. La primera ópera de la que sí nos llegó la música y que pertenece a los orígenes del teatro cantado en España es “Celos aún del aire matan” del compositor Juan Hidalgo y texto, como no, de Calderón de la Barca. Estas obras serán las precursoras de la zarzuela, una manera de hacer ópera a la española. SE trataba de unas representaciones donde se mezclaban partes cantadas con partes habladas. Zarzuela es un curioso nombre para bautizar a una forma de hacer música pero que tiene una simple respuesta debido al escenario donde se realizaban dichas representaciones, la residencia campestre de Felipe IV, la Zarzuela.
Pero la ópera era demasiado arte para parar sus pasos en Europa y no lo hizo porque cruzó el atlántico y en Latinoamérica empezaron adaptando óperas italianas u obras escénicas españolas, pero no tardaron en aparecer las primeras óperas autóctonas. Introdujeron a este tipo de música elementos folklóricos hasta que terminaron por decidirse por una de carácter universal.
La ópera es una forma musical compleja compuesta por una obertura orquestal, arias, dúos, tríos, coros, recitativos y fragmentos orquestarles, una obra teatral enteramente musical. Esta obra dramática que en los primeros tiempos era considerada una forma literaria en el que la música no era más que un elemento agregado no paró de evolucionar hasta convertirse en uno de los géneros musicales más preciados por su ambigüedad de unir dos artes tan diferentes y a la vez tan preciadas por el público.

Desde el nacimiento de la ópera hasta nuestros días ha llovido mucho pero todavía hoy esta forma musical es capaz de levantar pasiones y no solo en los amantes del canto y de la música de orquestra sino también entre los aficionados al teatro. Seguro que los artistas del Renacimiento fueron conscientes del “monstruo musical” que habían creado cuando vieron que durante el Barroco el género dramático se convertía en uno de los acontecimientos musicales más adorados. Incluso en nuestros días la magia de la ópera sigue llenando los teatros de todo el mundo.

En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través des diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más serio, incluso sombrío. A finales de la década siguiente, sin embargo, posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos y económicos (de los que el público deseaba escapar), volviendo los musicales (muchos de ellos reposiciones) bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.


¿Qué es lo que más te atrae de la comedia musical?

“Hay algo que dijeron los responsables de “Cabaret” y “Chicago”, cuando señalaron que son historias que no alcanzan a ser contadas solamente, hay que agregarles música para potenciarlas. Yo creo que el asunto de Camila tiene algo de eso, más allá de las virtudes del filme. De la comedia musical me gústale hecho de que los personajes cuentes sus historias a través de canciones. EN el caso de mi musical las partes de diálogo las traté de llevar al punto más naturalista posible. Porque también es un tema el hecho de contar con canto, eso no es lo real. EN el musical eso fuega en contra, porque hay que hacer creíble una historia donde los personajes cantan. Creo que eso se logró en parte en esta Camila, porque una nunca queda conforma del todo. Pero lo intentamos con mucho esfuerzo”.
(Julio Pagani)

Hernán Torres nunca está conforme, y eso es un primer paso en positivo para un debutante del género. Confiesa que es un apasionado del género, pero que “algunas comedias musicales no me gustan nada, son aburridas escucharlas y verlas. Hay otras que trascienden el tiempo como “El fantasma de la ópera”, que hace 20años que está en cartel, pero “Hair” fue un fracaso en su reposición, aunque marcó una época”.
Considera que se replantea todo constantemente. “Me pongo en lugar del público, cuando voy a ver una comedia musical quiero que me cuenten un cuento y pueda entenderlo. Por eso Camila tiene diálogos no cantados para que se entiendan, cosa que hasta en las grandes producciones son una falencia. Mi idea es contar de la forma lo más despojada posible, algo simple, desde es diálogo y las situaciones, no poner nada de relleno que distraiga”.


Pocos recuerdan que el teatro de hace cien años era cantado: óperas, operetas, zarzuelas y revistas eran las preferidas del público, pero con la imposición de los clichés de lo culto y lo serie, la ópera quedó inmersa en la sacralidad.

El grupo de señoras con las que vamos a trabajar sí que se acuerdan del teat6ro cantado de su época, lo añoran, y por eso hemos decidido recuperarlo.
Luis Mario Moncada afirma: “Es cierto que la opera se volvió demasiado culta y perdió contacto con el público masivo, pero de ahí a que, de plano, haya decidido encerrarse en espacios, que exclusivos, de los que muy rara vez se da sus escapadas, nos parece una exageración”.

El auge del cine nos ha llevado a plantearnos cual es el futuro de este género musical, quizás nos hallamos en un estado de confusa diversidad estilística, pero una cosa es cierta: el teatro musical no está acabado; no es todavía un museo ni un arte elitista en una torre de marfil. Aunque durante algún tiempo pareció haber un abismo infranqueable entre el teatro musical moderno y el público conservador que va a la ópera. Está tensión va desapareciendo gradualmente. En los teatros, en los festivales y en los estudios, el teatro musical de nuestros días se está poniendo al alcance de una audiencia que tiene un interés constante por las últimas manifestaciones.


El pluralismo estilístico es el faro que ilumina el presente; los elementos que previamente parecían irreconciliables se adoptan con carácter experimental y se les desarrolla: la técnica dodecafónica y el sonido de percusión, las viejas formas y los más modernos artilugios técnicos, la ópera de Bel canto y el más austero estilo declamatorio, el minimalismo (Philip Glass, John Adams) y las posibilidades casi ilimitadas del equipamiento teatral cuando se les da rienda suelta. La idea del “teatro total” se encuentra por todas partes, abarcando los medios electrónicos, el drama y el ballet, el cine y la música concreta, la revista y el teatro ambulante.


El cabaret.
Fue en la Alemania de entreguerras donde los artistas tuvieron que sortear la censura que el régimen nazi implementó en el ámbito cultural, pues cualquier alusión contra el político era castigada con la cárcel. De modo que ejercer el derecho a la libertad de expresión se convirtió en un reto a través del cabaret.

 

 

 

 

2.3. E s c e n o g r a f í a.


-Recursos escenográficos:

- Utilizaré el telón de terciopelo rojo como primer telón del teatro, con un sistema de poleas para abrir y cerrar lateralmente, por la relación con el estilo de “Telón rojo” del Moulin Rouge, por las connotaciones de pasión y lujuria de este color, que caracterizaba el ambiente de las noches parisinas del Montmartre.

-Sería interesante poder olvidarse del patio de butacas que puebla el teatro de santa fe para dar paso a unas mesas negras típicas de club nocturno; adornadas con lámparas doradas; y en los laterales se han instalado dos barras de bar desde donde se servirán copas al publico para que se sienta tan ajeno a lo exterior como en los años 30, cuando el cabaret era un reducto donde mantenerse al margen de lo que estaba cociendo en la Alemania de la época.

- Utilizaremos una segunda tela intermedia en la vara central, de color blanca y traslúcida para que permita, con el juego de luces, la realización de sombras chinescas.

- Aparato de proyección de imagen fija a modo de decorado. Estás imágenes nos servirán para reconstruir el ambiente que deseemos en cada número musical, confiriendo al musical una sensación de sueño.

- Dependiendo de la coreografía y la música se pondrá un tipo de mobiliario concreto, como por ejemplo sillas, mesas, taburetes, barras de bar, bidones similares a los de las calles neoyorquinas, tablas, camas, sillones, alfombras, perchas, baúles, etc


 

 

 

2.4. V e s t u a r i o.

El vestuario correrá a cargo de la compañía y vendrá determinado dependiendo del número musical que se vaya a realizar.
Utilizaremos un vestuario variado, donde predominarán las ropas ceñidas, corpiños, medias de cristal, minifaldas, grandes escotes en los vestidos, bodys, smoking, chaqué, pajaritas, chisteras, ,bastones, zapatos mocasín para la caracterización de los hombres y de aguja para las mujeres, guantes blancos cortos (hombre) y largos para las mujeres, plumas en boas y felpas, ligueros, tangas, etc

Se harán referencias a cortes de pelo de la época a través de pelucas, y a los vestidos de las grandes divas de los 40 y 50: Marlene Dietrich ( Blu Angel) con un toque de Cabaret y un poco de Rita Hayworth en Gilda.
Julie Christie, Ava Gardner

*El diseño del vestuario se ha realizado teniendo como referencia la obra del pintor Toulouse-Lautrec.


-Maquillaje.
También se llevará a cabo según cada coreografía musical específica. Será un maquillaje de caracterización, para acentuar los rasgos de cada personaje, dando importancia a las sombras y los tonos cálidos. Utilizaremos sobre todo el carmín rojo para lo labios, el brillo para estos, rimel negro para las pestañas, perfiladores de labios, anteojeras, aceites corporales, brillantina, tapa poros, lápices de ojos, maquillaje verde para contrarrestar el rojo de la piel, dado que en el escenario se suda mucho por el calor de los focos, etc

-Peluquería.
Los peinados también atienden a la caracterización.
Necesitaremos secadores, peines, cepillos, pelucas, postizos, extensiones, tintes gomina, fijadores, lacas, sprays de colores, sprays con purpurina, flores, pañuelos, horquillas, bigotes postizos, barbas postizas, pestañas postizas, felpas, diademas, coronas, etc.
-Atrezzo.
Son importantes los recursos y materiales que utilizan los personajes para su interpretación y caracterización: sombreros, guantes, bastones, p lumas, collares largos, gargantillas, pulseras, pendientes, cinturones, ligas, uñas postizas, jarrones, flores, abanicos, mantones, capas, cigarros, puros, gafas, etc.

 

 

 

 

- La moda de los 30 al 60.
Con la segunda guerra mudilla la moda reflejó la crisis y la desesperanza: los tejido eran de baja calidad; las mujeres se vestían uniformadas con trajes de chaqueta planos y simples.
Con la entrada de EE.UU al conflicto bélico la industria, incluida la de la moda, quedó controlada por el gobierno. La vestimenta respetaba diseños para atender a las demandas de un país en guerra.
Christian Dior, quien junto a Pierre Balmain y Hebert Givenchy era uno de los diseñadores más conocidos de esta década, cierra los 40 con el regreso al glamour y la moda de posguerra. Los diseñadores pretendían vestir a la mujer como una perfecta señorita, una mujer elegante con un aspecto impecable, lejos de la imagen cursi y recatada, de modo que se diseñaron las faldas de tubo, chaquetas entalladas, cinturas marcadas, vestidos etéreos, pantalones al más puro estilo Katharine Hepburn, camisas con lazo hiperfemeninas, rebecas de punto, capas cortas y de terciopelo, vestidos de encajes, camisas con jareta o encajes de bolillos, todo ello con colores morados, lilas lavanda, burdeos, guindas, verdes, granates, naranjas, beiges, amarillos, rosas y celestes , aunque el gris plateado y el siempre elegante negro mostraban a una mujer poderosamente sexy, sin perder un ápice de su feminidad.
Los encajes, la muselina de seda , el satén, el crepe de seda, el raso, el terciopelo, el tatán escocés, el tweed y los estampados felinos sobre todo el de leopardo, fueron los tejidos protagonistas en aquella época.
Además los diseñadores recuperan los vestidos largos con grandes escotes en “u”, espaldas descubiertas, hombros al aire, finos tirantes o escote palabra de honor que se adornan con “paillettes”, “strass”, lentejuelas o cristales para vestir a la mujer en grandes celebraciones, noche de ensueño y actos sociales de etiqueta que el protocolo exigía.
Las boas, estolas, pequeñas capas y espectaculares broches eran los complementos perfectos y la sandalia y los zapatos de tacón constituían el calzado más adecuado, con puntas redondeadas, tacón grueso o de cuña y sujetos al tobillo, como por ejemplo los que utiliza Rita Hayworth en “Gilda”, aunque lo más cómodo para el día era calzarse con unas manoletinas o bailarinas bajas, como las que utilizaba Audrey Hepburn. Constituyendo una época de glamour, del buen gusto, de la elegancia.
También se llevaban los lazos a la cintura, sobre la cadera o ajuntados al cuello, para proporcionar el “look” de aire romántico que caracterizó a los 40. Eran lazos de raso, satén, seda, gasa o terciopelo.
El bolso era el complemento estrella de la mujer tanto de día como de noche, no se podía salir de casa sin él. Aunque por la noche se elegía una limonera con flores bordadas o pequeñas carteras de mano.


Con los 50 vuelve el esplendor. La moda vive otro de los momentos más intensos del siglo. El “New look” de Cristian Dior, que había sorprendido al mundo de la moda a finales de los 40, es expande. El nuevo estilo contrasta por completo con las formas austeras y simples de los años de guerra y es tomado como un símbolo de esperanza y prosperidad en la posguerra.
La silueta ideal se vuelve a forzar con una cintura muy estrecha, y con mucho volumen en los hombros y en la falda, que se mantiene por debajo de la rodilla. Comienza el culto a la belleza.
Tras la austeridad de la guerra, repunto el consumo, impulsado por el optimismo económico. Las mujeres comienzan a liberarse de sus hábitos hogareños e inician actividades sociales que las obligan a tener vestimenta apropiada para usar fuera de la casa.
En estos años, Christian Dior siguió siendo uno de los diseñadores más influyentes, pero también tuvieron un papel importante Pierre Cardin, Cristóbal Balenciaga, Coco Chanel y Givenchy.
Marilyn Monroe, James Deam, Brigitte Bardot y Elvis Presley se transformaron en los referentes de la moda de este tiempo.

Los 60 traen la otra revolución, surge el concepto de la ropa joven, divertida y la psicoledia.
La cultura POP marca el camino de la moda con el uso de estampados y materiales como el plástico. Llegan las gafas grandes, de pasta y los cinturones anchos, así como el éxito de la minifalda de la mano de Mary Quant.
Gran Bretaña desplaza a Italia y a Francia y se transforma en el centro de la movida cultural. Es rock británico concentra la atención del resto del mundo e impone su estilo sin resistencias.

El Mod look arrasa. Las mujeres se demarcan con ojos con gruesas líneas negras. El cabello se usa corto con cortes geométricos. También se usa largo con postizos y se combinan todos los colores.
Twiggy, una cantante británica que entre de lleno en el mundo de la moda se transforma en el icono de belleza de los 60. Su extrema delgadez deja atrás las sensuales curvas que reinaban en los 50.
En los últimos años de esta década hacen su aparición los “hippies”, que promulgan la paz y el amor. Son los primeros en reciclar la moda y crear estilos individuales, con dibujos psicolédicos e imágenes relacionadas con los efectos alucinógenos.

Hombres y mujeres usan los pantalones de campana, ceñidos hasta la rodilla y luego anchos. Las blusas de algodón también se imponen.
En esta década, la moda lleva las firmas de Mary Quant, André Courréges, Paco Rabanne y Elio Berhanyer.

 

 

 

 

5. L o s a c t o r e s.

Debo señalar que las personas con las que contamos para llevar esta obra al teatro no son actores, ni siquiera han tenido ninguna experiencia en el mundo del teatro, pero ellas han sido la motivación que nos ha llevado a crear este musical, porque sin ellas, nunca hubiera surgido esta idea.
Al respecto cabe decir que nos encontramos con la dificultad de trabajar con mujeres cuya edad va comprendida entre los 55 y los 60, con todo los inconvenientes que ello supone dado que a estas edades algunas de ellas no oyen ni ven bien, utilizan bastón, su voz no es dulce y aguda como cuando tenían 20 años, etc, pero es aquí donde reside el reto de la obra, en crear algo diferente adaptándonos a todas estas circunstancias, en definitiva, es una obra creada por y para ellas.

Como Fred Baron( productor del Moulin Rouge) señala: “Baz ha tomado la forma clásica y la ha remezclado para crear un cóctel nuevo, una nueva forma. En el musical tradicional de Hollywood, el actor irrumpe en la canción y sabes que es pregrabada. Lo que Baz intentó crear es el sentimiento de que la canción es la actuación, de que no abandonas e mundo de la historia. Lo que intenta Baz es que te adentres en los personajes para que su voz interior sea una voz musical”. De acuerdo con esto intentaremos que las actrices, a pesar de su edad, canten en directo.

Reparto por orden de aparición.


Actores:
Diego………………………….María Peregrina
Rosa…………………………..Alicia Ortega


Grupo de artistas:
Lourdes Piñar
Mercedes Piñar
María Maldonado
Carmen Velarde
Carmen Martínez
Carmen Cabezas
Encarnita Soto
Inés Soto
Carmelina García
Presentadora:
Carmen de la Hoz


 

 

2.6. F i l m o g r a f í a a u t i l i z a r.

Películas como “la dama de Beirut”, “Besos de Fuego”, “El último cuplé”, “Esa mujer” , “Varietes”, “Locura de amor” o “la violetera”, “Vera Cruz”, “La dama de Beirut”, “Yuma”

- La película “Cabaret” de 1972, dirigida por Bob Fosse, en la que Liza Minnelli hizo el papel de Rally, una cantante americana, enriqueciendo los números musicales pero confundiendo el argumento.

- En 1993 Sam Mendes, se sintió atraído por Cabaret y optó por representarlo en un auténtico club nocturno. El mítico “cabaret” recuperado para el teatro por Sam Mendes, trae el ambiente genuino de los night clubes berlineses de los años 30, reflejando su sociedad decadente y lujuriosa.

- “Chicago” de Rob Marshall.

- “El Moulin Rouge” de Luhrmann, que logra a través de una lente muy contemporánea , una visión eufórica y sumamente estilizada de un inframundo tragicómico y glamoroso. El resultado recrea, para las audiencias modernas, las emociones impetuosas y decadentes que cautivaron a los clientes del Moulin Rouge hace un siglo.

- “Un marido a precio fijo”, producción español de 1942, dirigida por Gonzalo Delgrás, inscrita en el marco de conservadurismo, es una muestra de la interrelación entre producción cultural y orden histórico social en el período franquista. Esta película nos presenta el proceso de construcción de un modero femenino a imitar por las espectadoras caracterizado por la negación de la propia voz. Para Gámez Fuentes la protagonista “desmitifica la figura de la mujer como categoría que garantiza el deseo de plenitud del hombre exponiendo cómo la mujer se convierte en fantasía fabricada por éste”.

- “Ese oscuro objeto de deseo” de Luis Buñuel, sobre la libertad de expresión femenina. Según Gámez Fuentes esta película “desmitifica la figura de la mujer como categoría que garantiza el deseo de plenitud de hombre exponiendo cómo la mujer se convierte en fantasía fabricada por éste”.

- “La niña de tus ojos” de Fernando Trueba.

Me gustaría señalar que el cine español más reciente no ha generado todavía una imagen femenina capaz de denunciar todos los constructor y a partir de la cual construir un imaginario colectivo dotado de voz propia, como afirma Montesinos: “De eso depende la construcción de una nueva cultura que libere tanto a hombres como ha mujeres, de estructuras sociales de poder que imponen condiciones autoritarias entre los géneros”. Abogamos por tanto, por nuevos discursos o reescritos discursos capaces de construir un imaginario colectivo en que el silencio femenino no sea planteado como único modelo de representación de la condición femenina. -Teatro.
“El mundo gira y el cabaret expira, pero nosotros le daremos nueva vida”, dice el anfitrión de “Vuelve el cabaret”, Llever Aíza, proyecto concebido por un nostálgico Luis Rivero que buscaba recuperar en un trabajo la esencia de este género, donde la crítica social y política vivía escondida bajo la pantalla del divertimento.
Rivero pensó en traer de vuelta el verdadero estilo empleado en Alemania, actualizándolo a nuestra realidad para diferenciarlo de la carpa y de las parodias que se realizan en la ciudad.
De entrada, omitió al Music may y al Café Concert, los sucesores inmediatos del cabaret, a cambio de una estética Art Déco que remite a un estado más “íntimo”, nada que ver con los actuales espectáculos que hacen abuso de palabras altisonantes e imitaciones grotescas de personajes.
“Hablamos de la modernidad del cabaret, donde la diversión no omite el sentido crítico” (Llever Aíza).

- “Cabaret” Este popular musical fue escrito por John Kander, Fred Ebb y Joe Masteroff. Es una adaptación que Jaime Azpilicueta ha hecho de la producción original dirigida por Sam Mendes y co-dirigida y coreografiada por Rob Marshall. Son varios los autores que han ido

 

 

 

2.7. D i s c o g r a f í a.

“La música”, comenta el pianista Alberto Rosas, “obliga a una cercanía escénica más con el público, pues antes era poca esta clase de interacción”.

Utilizaremos canciones de:
- Sara Montiel como: “Quizás, quizás, quizás”, “Mil besos”, “Voy a apagar la luz”, “Fumando espero” (7ª actuación), en las cuales la artista deja constancia de que el bolero existe porque existe el amor, afirmando que. “El bolero significa mucha para mí- agregó, como ha pasado con el cuplé y el tango, y creo que he sabido darle suavidad, mucho amor y sensualidad cuando la canción lo requería. Todas las noches a las once”.

- Música de Cabaret, como la banda sonora de Chicago para la 1ª actuación.

 

-Música de Tango, como el “Tango Milonga” de Lina Morgan para la segunda actuación.

 

-Musical Grease, para la 3ª actuación.

- “Balance- Balance” para la 5ª actuación.

- La música de “El lago de los cisnes”.

- Los Panchos “Si tu me dices ven” en la 6ª actuación.

- The Blues Brother en la 8ª actuación o “It’s rainning men”.

- Village People para la 9ª actuación o “voulez-vous couché avec moi…”

- Cabaret ………………… para la 10ª actuación y « Money Money» para la 11ª.

- Música de revista “Gracias por venir” de Lina Morgan para finalizar.


 

 

2.8. P e r s o n a l d e l q u e d i s p o n d r e m o s.


Personal técnico:

- 3 tramoyistas
- 1 maquinista
- 1 técnico de iluminación con 2 montadores de focos.
- 1 técnico de sonido.

Personal en sala:

- 2 azafatas para el reparto de programas de mano y acomodación del público.
- 2 gogos en la puerta para el control de las entradas y para la animación en la sala-
- Taquillero para la venta de entradas.

 

 

 

Orígenes:

El teatro medieval

El teatro español, como el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, celebración litúrgica central en la religión cristiana, es en sí misma un ‘drama’, una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que, en su afán didáctico por explicar los misterios de la fe a los fieles mayoritariamente incultos y analfabetos, creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas representaciones, que tenían lugar dentro de las iglesias, en el coro o parte central de la nave, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse en lugares públicos: en los pórticos y atrios de las iglesias, plazas, calles y cementerios.
En España se conservan muy pocos documentos escritos y menos obras teatrales de estos siglos. La muestra más antigua de teatro castellano es el Auto de los Reyes Magos de finales del siglo XII, escrito en romance y probablemente de origen franco. Pero puede decirse que hasta el siglo XV no empezó a cultivarse como tal el género, con Juan del Encina, Lucas Fernández y Jorge Manrique, si se exceptúan los juegos juglarescos populares.

Siglo XVI

Los parámetros medievales seguirán siendo la clave del teatro español hasta que, en el siglo XVI, se inicia el camino de la modernización que culminará en la creación de un género: la comedia nueva del siglo XVII. El siglo XVI es, por tanto, un momento de búsqueda y convivencia de varias tendencias: la dramaturgia religiosa (Gil Vicente), el clasicismo (Juan de la Cueva), los italianizantes (Juan del Encina, Bartolomé Torres Naharro) y la tradición nacionalista (Juan de la Cueva). La obra dramática más importante de este período es La Celestina de Fernando de Rojas. En realidad es una comedia humanista, hecha más para la lectura y reflexión que para la escena. Se trata de una obra excepcional, magnífico retrato de la época y modelo de la literatura galante posterior. Es, sin embargo, una obra de tan complicada estructura dramática (alrededor de 20 actos) que no fue representada en su época y que sigue teniendo enormes dificultades para su puesta en escena.

Siglo de oro

El siglo XVII es el siglo de oro del teatro en España. Es un momento en el que las circunstancias sociales y políticas determinan una situación excepcional: la representación pública se convierte en el eje de la moral y la estética. Las ‘apariencias’ son fundamentales. El mundo es un gran teatro y el teatro es el arte más adecuado para representar la vida. Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las Hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: Cervantes y Lope de Vega.
Cervantes, el gran novelista español, no obtuvo el éxito que creía merecer en el teatro y esto se debió, probablemente, a que su teatro tenía unas características que no respondían a los gustos del público. Es, en efecto, un teatro que quiere ser ‘espejo de la vida humana’, en el que el texto tiene una gran importancia y donde los personajes no son simples estereotipos. Con los años se le ha dado el valor que merece, especialmente a los divertidos entremeses, obras cortas de temática popular. Por el contrario, Lope de Vega acertó con el gusto del público barroco cuya intención al acudir al teatro era entretenerse, pasar un buen rato, más que asistir a un ‘acto cultural’. Les agradaba especialmente que las representaciones fueran espectáculos completos: con música, baile y, sobre todo, muchos efectos escénicos (apariciones y desapariciones, cambio de escenas, caídas y vuelos, entre otros). El propio Lope de Vega, que supo utilizar estas tramoyas como nadie, ironizaba en uno sus textos:

Teatro: —¡Ay, ay, ay!
Forastero: —¿De qué te quejas, teatro?
Teatro: —¡Ay, ay, ay!
Forastero: —¿Qué tienes, qué novedad es ésta?
Teatro: —¿Es posible que no me veas herido, quebradas las piernas y los brazos, lleno de mil agujeros, de mil trampas y de mil clavos?
Forastero: —¿Quién te ha puesto en este estado tan miserable?
Teatro: —Los carpinteros, por orden de los autores.

Las obras de Lope de Vega impusieron las características centrales de la comedia nueva: escritura en verso polimétrico, ruptura de las unidades de lugar y tiempo, mezcla de elementos cómicos y trágicos, estructura en tres actos divididos en cuadros. Todas estas características tienen un único fin: mantener al espectador interesado en la trama hasta el final. La mayoría de las comedias trataban asuntos de honra, ya que la honra, fama pública, la apariencia al fin y al cabo, era una de las grandes preocupaciones del hombre barroco.
Los grandes dramaturgos de la época, además de Lope de Vega (que escribió unas 1.500 obras de teatro) son, entre otros, Tirso de Molina, Juan Ruiz de Alarcón, Francisco Rojas Zorrilla y Agustín Moreto. Mención aparte merece Pedro Calderón de la Barca, autor de algunos de los dramas fundamentales de la historia del teatro, como La vida es sueño y El alcalde de Zalamea, y creador, como Lope lo fue de la comedia nueva, del auto sacramental. Éste es un tipo de teatro religioso vinculado al sacramento de la eucaristía. Se trata de una pieza didáctica en un acto que siempre tiene la función de ensalzar la fe. El auto sacramental, junto a la comedia nueva, forma el núcleo del teatro barroco español.

La Ilustración

El siglo XVIII estuvo marcado en España, por primera vez, por la intervención del Estado en la orientación teatral del país. Bajo el influjo de las ideas de la Ilustración, se creó un movimiento de reforma de los teatros de Madrid, encabezado por Leandro Fernández de Moratín. El cometido principal de este movimiento era recomendar una serie de obras y prohibir otras, bajo la premisa de fomentar exclusivamente ideas que amparasen la verdad y la virtud, apoyando las representaciones que supusieran enseñanza moral o adoctrinamiento cultural. Entre las obras prohibidas figuraban algunas del siglo de oro, pero sobre todo se censuraba a aquellos autores contemporáneos que insistían en la fórmula del siglo anterior. Es preciso señalar que, pese a la censura ejercida, los objetivos de la reforma tenían tintes que hoy llamaríamos progresistas. El estado de la comedia española era francamente deplorable, cumplida cuenta de ello dio Moratín en La comedia nueva o el café (1792), contundente ataque contra los excesos del posbarroquismo. Entre las propuestas de la reforma estaba la obligación de hacer repartos de papeles fundados en las aptitudes de los intérpretes, la dignificación del poeta y la valoración de la figura del director. Sin embargo, y pese a los bienintencionados programas ilustrados, las que triunfaron en el siglo XVIII fueron las llamadas comedias de teatro y las comedias de magia. En ambas, los recursos tramoyísticos tenían un protagonismo casi absoluto. Había encantos, duendes, diablos, enanos que se convertían en gigantes. Los lugares de la acción competían en exotismo. Por más que el género fue objeto de la ironía y el desprecio de los neoclásicos, que veían en él todas las exageraciones de un posbarroquismo mal asimilado, el público respaldaba con entusiasmo este tipo de comedias.

El movimiento romántico

El romanticismo español no pasa de ser un movimiento arrebatado, con apenas quince años de presencia en el teatro. Sin duda la guerra de la Independencia y el posterior absolutismo de Fernando VII retrasaron la aparición de un movimiento que, como es sabido, tenía tintes altamente revolucionarios. No obstante, podemos decir que los románticos españoles coinciden, en sus grandes directrices, con los alemanes y franceses: afán de transgresión, que explica las frecuentes mezclas de lo trágico y lo cómico, el verso y la prosa, tan denostadas por los neoclásicos; abandono de las tres unidades; especial atención a temáticas que giran en torno al amor, un amor imposible y platónico con el telón de fondo de la historia y la leyenda y abundantes referencias a los abusos e injusticias del poder; unos héroes misteriosos, cercanos al mito, abocados a muertes trágicas pero siempre fieles a su motivo amoroso o heroico. En este sentido, el héroe romántico por excelencia es el protagonista del Don Juan Tenorio de Zorrilla. En su romántica versión del mito, Zorrilla dota a la leyenda de unos inusitados niveles de teatralidad y, sobre todo, muestra a un personaje capaz de redimir con el amor su condición de burlador, obteniendo así el consiguiente perdón divino que dos siglos antes le negara Tirso de Molina.
En cuanto a las formas de representación, hay que destacar que es en este período —y las ideas de Larra, que dedicó muchos de sus artículos a los problemas que acosaban al teatro, influyeron en este sentido— cuando los actores se plantean por primera vez la necesidad de renovar las técnicas de interpretación. "Es preciso que el actor" —apunta Larra— "tenga casi el mismo talento y la misma inspiración que el poeta, es decir que sea artista". La inauguración, en 1830, del Real Conservatorio de Música, fue el primer paso hacia la consolidación de los estudios de interpretación.

Siglo XX

A finales del siglo XIX y comienzos del XX no se produce en España la renovación del arte dramático que sucede en otros países gracias a la obra de directores y autores como Stanislavski, Gordon Craig, Appia, Chéjov o Pirandello. Aquí el teatro es, sobre todo, un entretenimiento para el público burgués que acude con asiduidad a las representaciones. Las compañías teatrales formadas por las grandes actrices y actores del momento, que son además empresarios, están dedicadas a complacer los gustos de este público conservador y convencional. Los casos de Gabriel Martínez Sierra o de la compañía de Margarita Xirgu, dispuestos a jugarse el dinero y el prestigio en el descubrimiento de nuevos autores y en innovaciones estéticas, son excepcionales. También resultan excepcionales las aportaciones de Adrià Gual, creador del Teatre Intim que realizaba una programación de corte europeo. Lo corriente fue el éxito de aquellos autores que como José Echegaray, Premio Nobel de Literatura en 1904, complacían las expectativas del público teatral burgués. Benito Pérez Galdós, otro autor de reconocido prestigio, es un caso diferente. Galdós se atrevió a crear unos personajes femeninos que, como la protagonista de su drama Electra (1901), se enfrentan al fanatismo y al oscurantismo. Las obras de Jacinto Benavente señalan el final del tono melodramático, grandilocuente y declamatorio en el teatro. Benavente inicia con Los intereses creados (1907) o La malquerida (1913) el realismo moderno.
La otra tendencia del teatro español de comienzos de siglo es el teatro de carácter popular, el drama social de corte costumbrista que termina derivando en una forma estilística original: el sainete. Su mayor representante será Arniches (1866-1943), creador de la tragedia grotesca, un tipo de obras que caricaturizaban a la clase media. Aunque no se debe olvidar que el tipo de crítica que planteaba este teatro estaba siempre mitigada por los intereses comerciales.
El caso de Valle-Inclán es, en cambio, el de un autor totalmente al margen de cualquier planteamiento comercial en la creación de sus obras. Esto le permitió una libertad creativa que sitúa su teatro muy por encima del de sus contemporáneos. El de Valle es un teatro innovador, crítico, profundamente original. Sus novedosos planteamientos escénicos recibieron el nombre de esperpentos por presentar desde el escenario una deformación estética y sistemática de la realidad. Para Valle-Inclán, como para Shakespeare, el teatro es un espejo de la realidad, pero en este caso un espejo deformante. El teatro de Valle-Inclán no recibió en su momento la consideración que merecía, como tampoco la recibieron el resto de los autores de la generación del 98: Azorín, Pío Baroja o Unamuno. Son una excepción los hermanos Machado, que obtuvieron un gran éxito de público con dramas como La Lola se va a los puertos (1929) o La duquesa de Benamejí (1932).
Pronto los autores con planteamientos no comerciales buscaron otras formas de poner en escena sus obras al margen de los grandes teatros. Entre estos intentos de crear un teatro vanguardista destaca la labor de los teatros universitarios: El Búho de Max Aub y La Barraca de Eduardo Ugarte y García Lorca. Este último, uno de los grandes poetas del siglo, fue de los pocos miembros de la generación del 27 que se interesaron por el teatro. Lorca utilizó en sus obras gran diversidad de fuentes de inspiración: lo popular en Bodas de sangre (1933) o Mariana Pineda (1927); el guiñol con un matiz valleinclanesco en sus Títeres de cachiporra, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1933), La zapatera prodigiosa (1930), y los movimientos de vanguardia como el surrealismo en El público (1930) o Así que pasen cinco años (1930). La colaboración de García Lorca con Margarita Xirgu permitió que la obra del dramaturgo-poeta llegase a ser vista en los escenarios de los principales teatros españoles. Entre las puestas en escena que la actriz y empresaria llegó a montar cabe destacar el estreno en Barcelona de Mariana Pineda con decorados de Salvador Dalí. El estallido de la Guerra Civil española en 1936 y el asesinato de Lorca vinieron a frustrar la carrera de un autor que aunaba un talento extraordinario y vanguardista con la difícil cualidad de gustar al público tradicional del teatro.

El teatro durante el franquismo

Después del trauma de la guerra, los dramaturgos de la posguerra se enfrentaron a una férrea censura que hacía difícil, sino imposible, ofrecer una visión crítica de la realidad. Dos son las figuras que emergen en esta sociedad cerrada desenmascarando, aunque desde perspectivas diferentes, la realidad de la que nadie quería hablar públicamente: Buero Vallejo y Alfonso Sastre. El teatro de Buero investiga en la condición trágica y ambigua de la libertad humana, mientras que la obra de Sastre, inseparable de su trayectoria comunista, concibe el teatro como un instrumento de acción revolucionaria. A fines de la década de 1950 surge una nueva promoción, la de los autores de la llamada generación perdida. Autores como Lauro Olmo, Martín Recuerda o Luis Matilla adquieren pronto, por su marginación sistemática de los escenarios públicos y comerciales, conciencia de grupo. Coinciden igualmente en sus planteamientos y temáticas: siguiendo con la línea del realismo crítico, hablan de la explotación del hombre por el hombre y de la injusticia social. A lo largo de la década de 1960 aparece un nuevo grupo de autores, tan castigados por la censura como los anteriores. Se caracterizan, en términos generales, por su rechazo del realismo y por su interés experimentalista. Su estilo teatral se integra en las nuevas formas del teatro de vanguardia, desde las del teatro del absurdo a Artaud, Brecht o Grotowski. Entre estos autores destacan José Ruibal, Francisco Nieva o Fernando Arrabal. Este último es el autor de alguna de las piezas más representativas del teatro europeo de este siglo. Es también en las décadas de 1960 y 1970 cuando se produce la efervescencia de los denominados grupos independientes, vinculados a la figura de un director o autor o experimentando, con fórmulas de creación colectiva. Estos grupos surgen con una decidida vocación de resistencia antifranquista y una actitud de búsqueda en cuanto a concepciones escénicas y técnicas interpretativas. Apartados de los círculos del teatro oficial, su labor se fue introduciendo en universidades, centros culturales y colegios mayores. Grupos como Tábano, el TEI (Teatro Estable Independiente), Goliardos, Cómicos de la Legua, Esperpento o muchos otros contribuyeron a dinamizar la vida teatral española en las postrimerías del franquismo.

La escena española actual

Con la vuelta de la democracia se produjo una renovación del teatro oficial. Directores, hombres y mujeres de teatro hasta entonces vetados —Miguel Narros, Nuria Espert— y otros nombres nuevos, como Lluís Pascual, acceden a la dirección de los teatros nacionales, centrando sus programaciones en los grandes dramaturgos clásicos y contemporáneos y recuperando a los autores españoles del 98 y principios de siglo, como Lorca o Valle-Inclán.
El énfasis en la revitalización de textos considerados clásicos se ha asociado a una crisis de producción de textos dramáticos originales. Sin embargo, los grupos independientes van perdiendo vigor y presencia en la escena española. Tan sólo unos pocos han subsistido y han podido mantener una continuidad: Els Joglars, dirigido por Albert Boadella, cuyos montajes siempre polémicos y provocadores cuentan con el apoyo incondicional del público; Comediants, que reivindica un teatro festivo, de grandes máscaras, de gigantes y cabezudos, un teatro que entronca con el folclore y las fiestas populares, un teatro de espacios abiertos; o La Fura dels Baus, grupo que se autodefine como "organización delictiva dentro del panorama actual del arte", y en cuyos montajes se subvierten todos los supuestos de la representación teatral, empezando por el espacio del público, constantemente violentado por la acción. En consonancia con las tendencias internacionales, estos grupos tienen una visión del teatro como espectáculo total, no exclusivamente textual, incluyendo en sus montajes otras formas de expresión artística como la fotografía, el vídeo, la pintura o la arquitectura.

 

 

 

Sara Montiel

 

Sara peinando a su madre que tanto amó

Sara paseando por la Gran Vía de Madrid

María Antonia Abad Fernández, la futura Sarita Montiel, nació en Campo de Criptana, Ciudad Real, el 10 de marzo de 1928. Estudió interna en un convento de dominicas y más tarde en el colegio Jesús María de Orihuela (Valencia). Cuando tiene 15 años es descubierta por el productor Vicente Casanova, quien la hace participar en un concurso de nuevas actrices que, naturalmente, gana. En 1944 debuta en el cine con el seudónimo de María Alejandra. Cuando el avispado Enrique Herreros se convierte en su agente, se lo cambia por el definitivo de Sara Montiel.

 

Sara Montiel a la edad de 11 años en Orihuela (1944)

"Enrique Herreros fue quién le puso el pseudónimo de Sara Montiel a finales de los cuarenta"
"En 1950 parte hacia México, dónde se codea con lo mejor de la intelectualidad española en el exilio."

En 1950, un tanto cansada de las escasas posibilidades que el cine español le ofrece, parte hacia México. Durante seis años se convertirá en una de las estrellas preferidas por el público azteca. Será su época radiante e internacional, codeándose con lo mejor de la intelectualidad española en el exilio. No contenta con México, intenta la aventura hollywoodiense. Sólo interpretará tres películas aquí, pero se agenciará un marido prestigioso en 1956: Anthony Mann.

"Tras México probó suerte en Hollywood, dónde se codeó con las más grandes estrellas del cine"

Sara con su marido Anthony Mann en París

 

En 1957 regresa a España. Herreros le tenía preparado un contrato para un film que supondría su relanzamiento definitivo en su país natal: <<El último cuplé>>. A partir de este momento, los films con cupletista abandonada se sucederán y Sara Montiel se convertirá en un verdadero mito del cine y la canción hispanos.

Sara y Gary Cooper en <<Veracruz>> (1954).

La película fue dirigida por Robert Aldrich. También aparecían BurtLancaster, César Romero y Denise Parcel. Fue una producción de United Artists.

Automáticamente todas las canciones de sus films se convierten en éxitos y sus actuaciones en directo obtienen llenazos asegurados. En 1964, divorciada ya de Anthony Mann, se casa con el ingeniero Vicente Ramírez Olalla en Roma. Este nuevo matrimonio será el último que celebrará, aunque los último años los ha pasado junto a Pepe Tous, propietario del periódico mallorquín <<Ultima hora>>, hasta que éste murió en agosto de 1992.

"Sara Montiel a lo largo de su carrera ha actuado en casi 50 películas y ha sacado a la venta multitud de discografía."

Sara en una aparición televisiva el dia 11 de abril

El inaccesible mito Sara Montiel se ha mantenido durante veinte años. Y aunque últimamente parece estar bastante alejada del cine, los éxitos tumultuosos de sus espectáculos -principalmente <<Saritísima>>, título que tomó prestado de Terenci Moix- así lo confirman.

 

Sara Montiel en <<Yuma>> (1957) de Samuel Fuller.

 

 

 

Terenci Moix dice de ella: <<Sara Montiel - nuestra Mae West - representa la inspiración máxima de un erotismo tranquilizador, donde la agresividad de la súper-hembra viene suavizada tanto por sus extravagancias externas - vestuario, fraseología, simpatía, canciones - como por lo absolutamente increíble de los temas en que reina.>>

VESTIMENTA 1930 - 1960

Los años 30 comenzaron como una época de glamour y sofisticación enaltecida por las divas del cine que representaban toda la majestuosidad de la belleza. Sin embargo, pronto las cosas comenzaron a cambiar. La ascensión de Hitler al poder, en 1933, inquietó el ambiente político y social de entonces, quienes se negaron a reconocer el peligroso dominio de este hombre que rápidamente resquebrajó la paz en Europa.
Como una forma de negar los conflictos que surgían, los modistos intentaron revivir la opulencia de años anteriores, en donde el lujo regía la moda. A pesar de este intento fallido, Europa nuevamente entró en guerra en 1939. El aplastante poder nazi logró hacer sucumbir París en 1940 con lo que la capital de la moda se vistió de uniforme y colores grises. Como una muestra de lo representativo que es la vestimenta de las costumbres y coyunturas sociales de un pueblo, la moda de los años 40 fue opaca y se basó en un estilo militar. El traje de dos piezas y la sencillez de los materiales representaron la pobreza del viejo continente, que disimuló la escasez con recursos que desataron toda la creatividad en peinados, maquillaje y atuendos como guantes, pañuelos y bolsillos falsos en las chaquetas que le daban a la simple vestimenta, un toque de distinción.
Debido a que París se encontraba bajo ocupación nazi y Londres se debatía con sus últimas fuerzas, la industria textil y de la moda dejó de ser importante, por lo tanto, Estados Unidos se vio en la obligación de crear su propia pauta, logrando un mayor grado de independencia.
El conflicto finalizó en 1945 y nuevamente se buscó el brillo y la grandiosidad de años pasados; la nostalgia invadió de elegancia y sofisticación los años 50. La melena soigneé, estilo Marilyn Monroe, desplazó los moños y sombreros de los 40 y un verdadero delirio por las pieles finas, cachemiras y joyas se expandió en toda Europa.
La antítesis de esta elegancia fue "la moda estudiantil", un estilo más desordenado y cómodo reclamado por las nuevas generaciones. A mediados de los 50 apareció el estilo Beatnik, cuyo origen callejero y popular estaba directamente ligado a la música rock que venía desde América con íconos como Elvis Presley y Bill Haley. El conjunto inglés The Beatles creó una moda particular de melenas largas y botas puntadas elevadas por un pequeño taco, lo que causó una gran revolución social que desafió los rígidos cánones a los que los jóvenes estaban sometidos. De hecho, la moda siempre había girado en torno a "damas" y "caballeros" sin distinguir a los adolescentes como tal.
Los años 60 partieron con este espíritu revolucionario y protagonista de una juventud que comenzó a buscar sus propios gustos e intereses. A mediados de esta década la diseñadora Mary Quant llevó al límite esta odisea imponiendo la "mini", la que reducía a un pequeño trozo de tela a ras de las nalgas las antiguas faldas hasta la rodilla. Esto produjo la indignación y el escándalo de los padres y sectores tradicionales, los que adjudicaron la inmoralidad del vestir a la música satánica que llevaba a sus hijos al delirio.
Esta época frenética era consecuencia de la liberación juvenil, la rebelión contra los estándares impuestos hasta entonces. Esto también se reflejó en las artes, manifestándose principalmente en el arte rupturista y trasgresor del "Pop Art" de Andy Warhol.
La vestimenta tenía dos esquemas bien definidos. Por un lado estaba la moda "little girl", una mezcla de inocencia y sensualidad perturbadora y la moda "espacial", de formas geométricas y rectas que comenzaron a mostrar abiertamente el cuerpo. Esta última se inspiró en la creciente competencia entre Estados Unidos y la URSS por conquistar el espacio durante la denominada Guerra Fría. Los materiales también cambiaron, las clásicas telas dieron paso al plástico, el que se empezó a usar no sólo en la ropa sino también en todo tipo de accesorios como aros, collares y carteras.

La guerra de Vietnam polarizó aún más las relaciones entre adultos y jóvenes, ya que mientras los primeros apoyaban la intervención norteamericana en el país oriental, los últimos proclamaban todo un movimiento político y social basado en la paz y el amor.

Esta libertad adquirida abrió un mundo lleno de posibilidades y conocimientos que antes estaban vetados para los jóvenes, con lo que los excesos llegaron rápidamente a través de la experimentación con drogas, especialmente aquellas alucinógenas como el LSD. Las mentes distorsionadas crearon un estilo fantasioso y onírico inundado de formas y colores extravagantes las telas y vestidos. Así nacía la era de la psicodelia y el hippismo de los "verdes" años 70.

 

 

 

3. A n á l i s i s d e l e s p a c i o r e a l.

3.1.El teatro de Santa Fe.

Vista de frente


El Teatro de Santa Fe, o casa de la cultura, es un teatro construido “a la italiana” y se inauguró en 1987.
Esta formado por:
-La caja escénica.
-Bambalinas.
Las primeras patas hacen que no se vean los laterales. Constituyen las entradas y salidas de los actores por eso se las denomina también calles.


Las segundas bambalinas están arriba en horizontal, pero se han quedado un poco cortas para que no se vean los focos.

-Corbata o proscenio, es una ampliación del escenario hasta el público.
-Barras y peines para los focos que se mueven mediante un sistema de polea doble o balanza de tiro manual con freno, por lo que hay que procurar tenerlas bien contrapesadas.

Tiene cuatro barras para la iluminación que se pueden desmontar para situarlas donde consideremos más oportuno. Cada barra tiene cuatro puntos de carga con un carro que aguanta hasta unos 2000 kilos, de forma que cada punto puede soportar cargas de más de 300 kilos. Pero no tiene estructura de piene, de modo que se adapata con un sistema de carros metálicos con 10m. de boca.

-Hay una bara de luz eléctrica para iluminar el proscenio, que se pone en los laterales y que también puede iluminar los patios de butacas, propiciando el poder interactuar con el público, creando un ambiente diferente.

En las barandillas de arriba también se pueden instalar focos o ventiladores.

-La cámara negra o ciclorama constituye el fondo de la caja escénica, y se puede cambiar de color tanto por detrás como por delante con luz. Se mueve a mano, es decir, sin peso, por lo que se necesita mucha fuerza para moverla, dependiendo de lo grande que queremos el escenario.
- También tiene una pantalla de cine para hacer proyecciones.

Patio de butacas.

 

-El telón. Se puede cerrar a la americana, en horizontal de izquierda a derecha, o a la francesa, de arriba abajo.
- Muelle de carga. Lleva a una calle donde los caminiones pueden cargar y descargar los decorados. Aquí se situa la centralita de las luces, es antigua y está numerada por barras. Permite controlar la intensidad a través de unos transformadores.
-Vestuarios o camerinos.

Los camerinos están situados debajo del escenario y se accede a ellos por la izquierda del escenario porque a la derecha está situado el sistema de poleas que mueve las telas.
Hay dos camerinos, uno grande y colectivo y otro más pequeño para los actores principales con un baño independiente.

 

Vestuarios colectivos.
Vestuario individual los artistas principales.

 

3.1. S i s t e m a d e i l u m i n a c i ó n.

El teatro cuenta con un sistema de iluminación mediante ordenador automático y programable en memoria con:

-18 PC’s
-8 recortes
-4 focos centrales
-un cañón de iluminación dirigible al escenario desde el exterior.
- luz de sala
- luces de emergencia.
- luz de vestuario, etc.

Luz de sala
Focos exteriores

 

Planning de luces.

Tal como vemos en el diseño consta de:

· 18 PC’s, distribuidos en el escenario de la siguiente forma:

- 4 PC’s en barra exterior dirigidos a la zona central de proscenio.
- 6PC’s en la primera barra en línea i iluminando el proscenio y la zona delantera del teatro.
- 4 PC’s en la 3ª barra central, anterior a la barra de tela blanca donde se proyectarán las imágenes para crear el efecto de sombras.
- 4 PC’s situados en la barra trasera, junto al telón de fondo, para iluminar el fondo y la tela dorada de lentejuelas, creando el efecto de brillo.

· Los 8 focos de recortes están ubicados:

- 4 focos de recorte situados entre la 1ª y la 2ª barra
- 2 en la pata derecha y otros 2 en la pata izquierda, formando vías o calles en la escena. También pondremos en los recortes filtros de color azul para caracterizar con un ambiente nocturno la coreografía o número que nos interese que tenga este efecto.
- Los 4 recortes restantes están situados entre la 3ª y la 4ª barra, de la misma forma que los anteriores solo que con filtros rojos en vez de azules para así generar un clima de calidez y sensualidad.

· 4 focos cenitales concentrados de la siguiente manera:

- 1 en la primera barra, fijando el centro del escenario.
- 2 en la tercera barra, a los laterales derecho e izquierdo.
- 1 en la cuarta barra, en el centro y al fondo.
· Un cañón dirigible a escena, redondo, luz blanca.

 

 

 

 

3.2. S i s t e m a d e s o n i d o.

Mediante mesa de mezcla con capacidad para:

- 8 salidas

- Midi

- Balances

- Retornos y ecualizadores

- 4 monitores para escenario

- 6 torres de sonido en sala

- Posibilidad de micros inalámbricos y fijos.

- Reproductor de CD

- Tape con doble pletina

Aparte del sistema de iluminación y sonido también necesitaremos:

- Un sistema combi o de comunicación interna para técnicos y regidores.

- Una máquina expendedora de humo.

- Un equipo de proyección de imagen fija, ya sea retroproyector o video.

 

 

 

3.3. Estructura del espectáculo por números musicales.

*Introducción.

El escenario a oscuras, salen dos personajes Diego y Rosa y desarrollan un diálogo hablando del teatro y de sus épocas de esplendor.

- Iluminación. Se enciende el central 1º que está en proscenio y el cañón, centrándose la iluminación en los dos personajes que están en escena. Esto hace que se desarrolle la escena como una presentación del espectáculo.

- Decorado. Sobre el escenario se encuentran situados algunos elementos: una tarima mal armada con unas varas y telas grandes medio caídas, amarradas con cuerdas, unos baúles de donde cuelgan y asoman trajes, una percha de pié y algún taburete.

- Vestuario. Los personajes dos personajes van vestidos con ropas cortesanas del s.XVI, aunque un tanto raídas y sin ningún complemento decorativo.

- Maquillaje. Ambos personajes presentan un aspecto un tanto desaliñado, van despeinados y tienen “churretes” en la cara.

-1ª Actuación. “Cabaret”. Tema principal de la banda sonora de “Chicago”

Los tramoyistas preparan la escena poniendo tres taburetes de bar en la zona del proscenioy los sillas negras en el centro del escenario.

- Iluminación. Luces del proscenio encendidas con baja intensidad. PC,s intermedios encendidos también con baja intensidad. Recortes traseros con filtros rojos encendidos y el resto apagados. Así intentamos crear un clima de cabaret o casa de citas donde el ambiente denote glamour y erotismo.

Cuando la cantante empieza a cantar el cañón dirige un haz de luz hacia ella.

- Decorado. Aparte de las sillas se ha quedado la tela blanca para proyectar una imagen de ambientación de un bar de alterne. También caracteriza la escena una cortina de humo a principio del número o coreografía, propiciando ese ambiente deseado.

- Vestuario y atrezzo. En el número bailan siete mujeres, entre las que destaca la bailarina principal que es la que canta o hace pleibat. La bailarina principal lleva un vestido negro largo, con una raja en la pierna, mucho escote y de brillantes, con un collar de perlas, pendientes a juego, largos guantes blancos y zapatos de tacón negros. Es resto de bailarinas van con vestidos cortos, con escote, ligueros, medias de rejilla, collar largo de perlas blancas, tacones y felpa de plumas.

- Maquillaje. De caracterización, con mucho colorete y colores cálidos tierra, naranjas , amarillos y rojos. Labios brillantes rojos y perfilados. Llevan pelucas morenas que simulan que llevan el pelo corto, suelto y con flequillo.

-2ª Actuación. “Tango argentino”, del que hemos seleccionado el “tango Milonga” de Carlos Gardel.

Los tramoyistas desalojan el escenario de la actuación anterior con la luz apagada. Acto seguido preparan el escenario para esta actuación, que en este caso no lleva mobiliario dado que las luces serán las encargadas de ambientar el número coreográfico.

- Iluminación. En primer lugar, con la introducción dela música se encienden los recortes de las vías o calles delanteras de color azul, creando una ambientación nocturna a modo de un solitario callejón argentino. Los PC´s estarán encendidos con poca intensidad, creando como una penumbra. A este efecto se la añade humo a través de la máquina de humo situada en el ángulo derecho, al fondo del escenario sin que se vea. Poco a poco se va subiendo la intensidad de los PC´s para que se aprecie la coreografía.

- Decorado. Antes que suene la música y de comienzo la coreografía, se proyecta sobre la tela blanca la imagen de una calle argentina casi a oscuras, con edificios y casas, y sin ningún tipo de mobiliario en el escenario.

- Vestuario. Las dos mujeres que hacen la coreografía llevan un vestido que recuerda a los típicos trajes del baile argentino: mujeres con vestidos de falda corta escotado, tacones de aguja, collares, pulseras, pendientes y con sombrero argentino.

- Maquillaje. Base clara de maquillaje para margar los rasgos acentuando los pómulos rosados, los labios rojos y los ojos exageradamente pintados de negro.

-3ª Actuación. “Musical Grease”( Rock and Roll)

Los tramollistas cambian el escenario, desalojan y colocan todo lo necesario para el número coreográfico con el escenario a oscuras, para que no se noten los cambios. También recogen la tela blanca dado que no se va a proyectar ninguna imagen.

- Iluminación. Se encienden todos los PC´s y recortes laterales para crear calles de ambiente a niveles diferentes. Se encienden el cañon y los cenitales para las artistas.

- Decorado. En este número toman importancia las luces, el vestuario y la decoración.

- Vestuario. La indumentaria estará caracterizada en la época americana de los 50 y 60, basada en la moda rocabilli o rokera. Los chicos llevan zapatos mocasín negros con calcetines blancos, pantalones de cuero negro, cinturones de cuero, gafas de sol, comisa blanca de manga corta, chaquetas vaqueras o de cuero y pelo engominado con el tupe característico de Jhon Travolta. Las chicas llevan zapatos de distintos colores de tacón, falda o minifaldas con vuelo, camisas de tirantes o corpiños, pañuelos en el cuello y en el pelo. La cantante lleva una camisa ajustada negra, mayas negras, zapatos de tacón y un cinturón ancho.

- Maquillaje. Las chicas llevan muy marcado, en negro, el rabillo del ojo, con colorete en los pómulos y los labios rosas, intentando dar un aspecto divertido y desenfadado.

-4ª Actuación. (Variedad musical) “Lo siento mi amor” de Falete.

La escena sigue libre, sin mobiliario en el decorado.

- Iluminación. Se encienden los recortes primeros laterales con filtros azules iluminando el proscenio, dando un ambiente nocturno. Al iniciarse la música aparece una cortina de humo, mientras el cañón acompaña iluminando a la única artista que sale en este número.

- Vestuario. La cantante viste un vestido amplio de gasa seda de folclórica, dado que este género musical corresponde a una bujería. Lleva zapatos de tacón oscuro, pulseras, anillos, algún collar, pendientes de aros y una flor en el pelo.

- Maquillaje. Predominan los colores fríos, azules y verdes para sombra de ojos, con pestañas postizas, y un postizo de pelo negro largo. Labios marrones oscuro perfilados.

*Diálogo Rosa-Diego. Todo está exactamente igual que en la introducción, solo que esta vez los personajes están caracterizados como si fueran mendigos, por ello sus ropas están rotas y sucias.

-5ª Actuación. “Balance-Balance” (Samba)

- Iluminación. Todos los PC´s encendidos, podemos poner filtros de diferentes colores en algunos de ellos para dar color al número ya que es una música rítmica como de carnaval. En algunos momentos de la coreografía los PC´s pueden parpadear como si se tratara de una fiesta o una discoteca. El Cañón puede funcionar aleatoriamente por todo el escenario, de forma independiente, alumbrando indistintamente a las bailarinas y a la artista principal.

- Decorado. El escenario estará lleno de globos de diferentes colores, con confetis y serpentinas para generar un ambiente de fiesta.

- Vestuario. Las 5 artistas llevarán pantalones piratas blancos de tela y camisa, cada una de un color diferente y atadas con un lazo dejando ver el ombligo. También llevarán un pañuelo blanco en la cabeza, imitando a las bailarinas brasileñas, pendientes, collares y anillos.

- Maquillaje. Todas irán maquilladas con un tono oscuro, imitando color de piel de las mulatas. La cantante llevará los labios rojos y colores cálidos en las sombras de ojos.

* Los tramoyistas despejan el escenario.

Interrumpe a la presentadora la aparición de Inés caracterizada de bailarina, que simula que no sabe bailar al ritmo de la música de “El lago de los cisnes”, a modo de squets cómico.

-6ª Actuación. Los Panchos. “Si tu me dices ven” (Bolero Bachata)

- Iluminación. Todos los PC´s encendidos, pero con poco intensidad, y los recortes de las vías o calles primeros con un filtro azul. También están encendidos el cañón y cenital para las tres cantantes que representan a los Panchos.

- Decorado. Se baja la tela blanca antes de empezar la actuación para proyectar la imagen de una calle de la Habana vieja (Cuba). El escenario carece de mobiliario.

- Vestuario. Las tres cantantes imitan a los Panchos vistiendo trajes oscuros, camisas blancas, zapatos mocasín, corbata oscura y llevan una guitarra cada una.

- Maquillaje. Las cantantes irán maquilladas como si fueran mulatos y alguna llevará un bigote postizo.

-7ª Actuación. “Fumando espero” de Sara Montiel.

- Iluminación. Se quita la tela blanca de proyección de imagen y se encienden los focos-recortes traseros con filtro rojo y con poca intensidad. El cañón iluminará a la cantante que estará sola en el escenario, sin cuerpo de baile, tumbada sobre un diván.

- Decorado. Los tramoyistas colocarán un diván rojo en el centro del escenario y una mesa baja con un cenicero. Se prevé echar humo al finalizar la actuación.

- Vestuario. La artista, que imita a Sara Montiel, irá vestida con un picardías corto y muy escotado de raso negro, y encima una bata blanca transparente con empuñaduras de encaje y zapatos rojos de tacón. A lo largo de todo el número estará fumando en una pipa larga con cigarro.

- Maquillaje, exagerado con sombras oscuras en los pómulos, acentuando los rasgos de “mujer fatal”, con los labios rojos y perfilados y pestañas postizas. Llevará una peluca rizada larga, uñas postizas largas de porcelana de color rojo.

*Diálogo Rosa-Diego. Todo sigue igual que en el diálogo anterior tanto en iluminación, decorado, y en vestuario.

-8ª Actuación. “The Blues Brothers”.

Los tramoyistas despejan el escenario.

-Iluminación. Se encienden los PC´s con filtros de colores, de forma similar a la anterior actuación “Balance-Balance”, ambientando la escena como una fiesta. El cañón y el cenital iluminan a las dos cantantes.

- Decorado. No hay mobiliario, el ambiente se crea con el juego de luces como si fuera una fiesta.

- Vestuario. Las dos cantantes irán caracterizadas como si fueran dos hombres mafiosos, con traje de chaqueta oscuro y zapato negro, camisa blanca y corbata negra, gafas oscuras de sol y sombrero de gangster también negro.

- Maquillaje. Será sencillo, intentado caracterizar a las artistas como si fueran hombre por lo que alguna llevará un bigote postizo.

-9ª Actuación. Revista. “Si al amor” de Lina Morgan.

- Iluminación. Base de todos los PC´s con poca intensidad, al igual quelos recortes. Cañón iluminando a la artista principal en cada momento. Cuando se queda bailando el cuerpo de baile solo se sube la intensidad de los PC´s y se apagan los recortes laterales.

- Decorado. Se pondrá una escalera doble con pasamanos al fondo, la cual estará iluminada con un foco y se situará en el centro del escenario. Dividiendo la escalera se colocará una gran tela de lentejuelas doradas con una pequeña abertura encima de la escalera para que pueda hacer su entrada la cantante. También se utilizará la máquina de humo y no habrá más mobiliario para que se pueda bailar con libertad. En cuanto empiece la música el cuerpo de baile, formado por 6 bailarinas, realizará su entrada por la parte de entrada del público, bailando, tres por un pasillo y las otras tres por el otro, hasta llegar al escenario, por el que acceden por las dos escaleras laterales. Una vez que las bailarinas están situadas en el escenario hace su entrada, por la escalera central, la cantante.

- Vestuario y Atrezzo. Las artistas llevarán un traje de lentejuelas de color salmón, y chistera de lentejuelas negras, con pajarita negra y zapatos de tacón de color negro, medias de red también negras, y también llevarán bastones para hacer la coreografía.

- Maquillaje de caracterización, marcando los pómulos y la sombra de los ojos con colores cálidos y labios rosas.

* Diálogo Rosa-Diego. Todo igual que en el diálogo anterior.

-10ª Actuación. Moulin Rouge. Cabaret y la 11ª Actuación “Money, money” (Cabaret)

Se desarrollarán de forma similar a la 1ª actuación. El grupo lo forman una cantante y 8 bailarinas tanto en la 10ª como en la 11ª actuación.

-12ª Actuación. Revista. “Gracias por venir” de Lina Morgan. También se hará de forma similar a la 9ª actuación, solo que el vestuario en vez de ser de color salmón será de lentejuelas azules y habrá dos cantantes principales, vestidas con trajes largos de fiesta de lentejuelas, joyas, zapatos de tacón, etc.

 

 

4. C o n c l u s i ó n d e l m u s i c a l.

Con este musical queremos resaltar la idea de que la mujer todavía puede hacer muchas cosas, aunque haya perdido su supuesta juventud y bellaza sigue siento joven de espíritu, esta llena de jovialidad y su cuerpo es tan bello como en de una veinteañera.

Frente al modelo femenino ligado a la maternidad y la reproducción quiero presentar a estas mujeres, personajes que se resisten a un arquetipo patriarcal que ostenta sus grietas al contacto con su cuerpo. Se trata de unas mujeres que a pesar de su edad se nos presentan como “modernas” no etiquetables bajo las antiguas clasificaciones, que escapan de la masculinidad patética de la sociedad. Desde esta perspectiva parece un modelo a-normal dado que no reproducen un modelo impuesto de belleza, ni se circunscriben a la pauta de comportamiento, la mujer como ama de casa, diseñada para su anatomía. Estas mujeres reclaman una voz propia, su libertad de expresión en contraposición a la mujer como mero fetiche estético, como simple objeto de voyeurismo y entretenimiento para el hombre, dado que incluso en los films ideológicamente más progresistas no han podido desligar a la mujer de su condición de objeto. Escasas son las películas que cuestionan la asignación de roles, sino que esbozan la definición femenina a partir de la negación, el otro término de los binomios planteados por Cixous, el “otro” como afirmaría Lacan, lo que implica encarcelarla en el binarismo sexual y la política sexual propia de la cultura patriarcal en que se inserta, dado que la excluye del lenguaje, pues si el lenguaje se articula en esas oposiciones binarias, como afirma Cixous, la mujer no tiene lugar en el mismo, es por eso que decidimos que la mejor forma para que la mejer se expresase en esta obra es mediante la canción.

Esto me ha llevado ha plantearme hacer una obra ( “Mi cuerpo, mi hogar”) que represente este cuerpo que ha sufrido, sobre el que se escribe una historia ha través de sus arrugas y cicatrices. La historia de la mujer, que siempre ha estado recluida al ámbito de la casa por el machismo de su época bajo la idea de que la mujer debía se ama de casa y madre de sus hijos. Por ello quiero plantear el cuerpo de la mujer como casa misma, es decir, el cuerpo como hogar en contra de la idea de que la mujer debía ser una prisionera en la casa, en el hogar familiar; y así poder evidenciar la relación a un patrón cultural que fija identidades ( “ser hombre” o “ser mujer”), una constatación de paradigmas o modelos identitarios a partir de identificaciones con ideales culturales. Nos hallamos, como bien dice Colaizzi, ante la dimensión social de la existencia y la experiencia humana, ante ese “tener que demostrar” constantemente nuestra adscripción a uno de los dos términos del binomio para que ese otro nos identifique claramente, de forma que ese “deber demostrar” se convierte en un “deber ser” para la mirada del otro. Se instaura así, parafraseando a Simona de Beauvoir: “No se nace mujer, llega una a serlo”, una concepción de la feminidad como un trayecto, como un proceso que desemboca en ese “llegar a ser”.

La asignación de tareas se puntúa de acuerdo a la biología, comprendida desde el sistema sexo/género acuñado por Gayle Rubin, frecuentemente citado por la teoría feminista en tanto reseña la escisión biología por un lado y, por otra la mujer como ese “deber ser social” que venimos reseñando, el trayecto y producto configurador de la feminidad.

 
 

 

 

“Mi cuerpo, mi hogar”

“Nuestros cuerpos son como edificios deshabitados –apariencia deseable- que podemos ocupar o no a nuestro antojo como trajes que nos vestimos para los demás. Es nuestro cuerpo un disfraz de nosotros mismos. Si soy yo de quita y pon, soy yo vacía de mi. Es mi cuerpo deshabitado de mí mismo”.

(Javier Velasco)

Introducción.

Como ya dije este proyecto se deriva de “la revista musical” en la que estoy trabajando con un grupo de mujeres mayores, las cuales, como explicaba en este proyecto, han sido relegadas al espacio de la casa, por ello, el trabajar con nosotros en esta revista a supuesto para ella una experiencia nueva y enriquecedora.

La casa es el lugar donde habitamos, está compuesta de paredes, puertas, ventanas y todo el mobiliario necesario para vivir. A demás está el hogar, formado por las personas y sus relaciones, el calor de un abrazo el sentir de un beso, un regaño, una caricia, etc.

La casa se construye en un determinado lapso de tiempo empleando materiales como la paja, la madera o el ladrillo, sin embargo el hogar se edifica día a día con pedacitos de ternura, amor, tolerancia, incluso sentimientos de odio, rencor, etc, por tanto la casa sería fría y sin vida si nuestra vida en ella no constituyera un hogar cálido y protector. De igual manera que la casa es hogar para el cuerpo, el cuerpo también creo un hogar para nuestro yo interior, un yo que habita dentro de un cuerpo exterior, en el cual encontramos abrigo y protección para nuestro interior, un interior en que vive el alma.

Vivimos dentro de nosotros mismos, aprendemos a soportarnos, a amarnos, a vivir como somos o intentando cambiar influidos por los roles que la sociedad impone, a veces, en vez de construirnos nos destruimos, llegando a la enfermedad en esa búsqueda de bellaza del “cuerpo”. Al igual que deseamos vivir bien en nuestra casa también deseamos vivir bien en nuestro cuerpo, pero un cuerpo no sano no es un lugar cómodo.

Desde pequeños la sociedad nos enseña como debemos comportarnos en relación a nuestro sexo a través de los juguetes, lo que limita la imaginación infantil imponiendo los modelos a seguir. Hoy día todas las niñas juegan con mujeres de plástico “perfectas”, adquieren los estereotipos de feminidad que la sociedad les inculca y la constante preocupación por el físico y la apariencia a través de la ropa, los accesorios, complementos y cosméticos que propulsa la cultura del consumo.

Explicación de la obra personal.

“El hombre es un eptágono simbolizado por un triángulo en un cuadrilátero. La parte eterna, inmortal, es el triángulo que representa la cabeza, y la parte mortal es el cuadrado, que representa la parte inferior del cuello a los pies.”

El hombre ha construido casas desde la antigüedad siguiendo este principio, un cuadrado como área de superficie y un triángulo como azotea.

Nuestro cuerpo es como un mapa con múltiples puntos de acumulación de energía, con numerosas marcas, heridas y cicatrices que hablan de nuestras vivencias, un mapa, o mejor dicho, un plano de nuestra casa-cuerpo, en el que podemos perdernos e intentar encontrarnos al derribar los tabiques o cambiar las estructuras internas, entonces todo nuestro hogar se desbarajusta perdiendo todo sentido y orientación.

El cuerpo ha sido motivación central en las artes plásticas a lo largo de la historia, se ha tratado el cuerpo psíquico, el cuerpo grotesco, los estereotipos del cuerpo, etc. Las relaciones entre el cuerpo y la arquitectura han sido siempre estrechas y complejas, ya el tratadista romano Vitrubio habló de ello, y muchas de sus ideas fueron luego cristianizadas mediante la identificación simbólica de las iglesias tonel “cuerpo de Cristo”. La antropomorfización antigua de los soportes, las columnas, que eran masculinas o femeninas, abrió la vía para una diferenciación sexual de la arquitectura. En el libro Edificios-cuerpo se habla de todo ello, se introducen numerosas apreciaciones novedosas y se examinan de modo especial esculturas habitables con formas humanizadas, bien sean proyectadas, construidas o imaginadas.

Con esta obra he intentado identificar el cuerpo como la casa en que habita nuestro interior, por ello he establecido una relación entre ambos al proyectar una diapositiva de un cuerpo de mujer sobre el plano de una casa, en un intento por evidenciar esta relación, un tanto teatral, de la mujer, cuya imagen es una mera representación ficticia, una máscara que la sociedad le ha impuesto desde tiempos inmemoriales. (tal como explicaba en la “revista”).

A lo largo de la historia se ha visto a la mujer como el ama de casa que debe estar en el hogar cuidando de los niños y esperando a que llegue su marido de trabajar con la cena hecha. Se nos ha mostrado una mujer vulnerable y débil frente a la virilidad masculina, una mujer que debía estar encerrada en el entorno doméstico, en el cotidiano espacio estrecho de la casa como si fuera una prisionera en el hogar y las tareas entendidas como femeninas asociadas a este. Por desgracia este es un lugar físico y corporal en que todavía hay quien recluye a la mujer, de modo que,

siguiendo dichos roles emplearé materiales también asociados a la mujer tales como el cosido en contraste con la idea de la arquitectura, como “oficio” ejercido por el hombre desde la Antigüedad. Es así que se intento establecer una nueva relación entre el sentimentalismo que ha caracterizado a la mujer, y supuesta racionalidad del hombre, siguiendo los binomios prefijados: físico- intelecto, pasivo-activo, sentimiento-razón, piedad-autoridad, etc, por los que se ha definido a la mujer y al hombre respectivamente.

Debo señalar que en un primer momento mi intención era la de coser el plano de la casa sobre el papel que se emplea para realizar patrones, precisamente para señalar como se asignan patrones a seguir, patrones que se repiten una y otra vez, sin embargo, dada la fragilidad de dicho material al final me incliné por la tela, material que asocio con la piel y el vestido, y siguiendo con la idea del patrón procuraré coser dicho plano simulando las líneas con las que se dibujan los patrones, contrastado la connotaciones de artesanía y manufactura de esta imagen con la utilización de una proyección como algo más “tecnológico” y moderno, como una aparición, un recuerdo de lo desaparecido de ese cuerpo de mujer que “no se ajusta al estereotipo occidental de belleza”.

El cuerpo de la mujer también se ha utilizado como objeto de deseo, en respuesta a ello proyecto el cuerpo desnudo de una mujer de nos cincuenta años, un cuerpo que nos muestra sus heridas, que ha sufrido, una mujer que ya tiene la menopausia, y en consecuencia ya no podrá tener hijos, y no sabemos si nos ha tenido, un cuerpo que se muestra tal y como es, único e irrepetible, cuestionando las artificialidad y la problemática sexual que presenta nuestra era posmoderna, la cual olvida la sensualidad y belleza natural del cuerpo (según Gina Pane no hay más belleza que la herida visible), en favor de la artificialidad de los cuerpos siempre jóvenes de los Sex- simbols que la sociedad nos muestra y que solo son meros cuerpos retocados por ordenador o manipulados por cirugía estética, cuerpos que son mera fachada, mera escenografía de lo que, desde fuera, nos imponen que debe ser nuestra vida, cuerpos vacíos, sin interior ni identidad puesto que todos son iguales en su supuesta “perfección”, lo que plantea también que la fotografía, con el avance de las nuevas tecnologías, ya no representa una ventana abierta a la realidad y la verdad.

Intento también cuestionar el cuerpo femenino como fetiche expuesto a la mirada del “voyeur” que explota el cuerpo de la mujer a través del comercio y la mirada obscena, ¿acaso un cuerpo que no se ajuste a los cánones 90-60-90, no puede ser bello, acaso no puede ser deseado por un hombre?. Como bien cuestionaba Matuska, enferma de cáncer, al preguntarse como podría ser deseada por su cuerpo en esta sociedad si le faltaba un pecho, lo que plantea que debemos desear a pesar del cuerpo.

El cuerpo nos acompaña en cada momento, nuestro cuerpo habla, no puede enmascarar la verdad de ningún modo, lo sabe todo de nosotros, por tanto el cuerpo es el soporte de nuestra existencia, todas las tensiones, la pena, la cólera, el temor, etc se almacenan en nuestro cuerpo, pues ¿en qué otro lugar podrían alojarse?. El cuerpo es morada de nuestra vida, nuestro cuerpo reacciona de forma diferente antes situaciones diferentes dando salida a la tensión que nos oprime para hallar cierto equilibrio, nos informa de que algo en nuestra vida no está en armonía con o que deseamos, intentamos escapar, huir, pero no podemos salir de nuestro cuerpo del mismo modo en que salimos de casa cuando queremos.

a veces no escuchamos el verdadero mensaje que nuestro interior nos grita, nuestro corazón se destruye intentando decirnos que nuestras emociones están sufriendo, ¡desgraciadamente oímos mal, y es una pena, por ello he reflejado un cuerpo sin cabeza que no puede ver, ni hablar o escuchar porque nos lo impiden los roles de nuestra sociedad, ni siquiera podemos movernos en la dirección que deseamos, (no tiene brazos ni piernas) sino por donde nos dicta la sociedad, es más, se encuentra sobre un muro de ladrillos que no puede saltar porque carece de extremidades, como si estuviera condenada, atrapada, como si en su intento por “escapar” se chocara contra este muro o barrera que la sociedad impone con los roles y que contrasta con los muros de la casa en que habita su interior. Solo aparece el torso desnudo, un torso que se nos muestra indefenso, vulnerable, incluso cansado de luchar, un torso que nos muestra como en su pecho se haya el corazón, en el cual podemos encontrar nuestra identidad, un corazón que es el núcleo que nos da vida, del que brota la energía física, afectiva, intelectual y espiritual, en él residen el talento, las actitudes, las cualidades y todas las riquezas naturales, que no afloran porque se encuentra en la sala de estar, habitación en que compartimos con los nuestros, en que acogemos a los que vienen de fuera, pero en esta habitación también se halla la televisión, que evita que aflore nuestro verdadero yo porque estamos demasiado sumisos a las reglas que rigen nuestro mundo exterior. La entrada de la casa y su largo pasillo coinciden con el órgano sexual femenino, la vulva como orificio de entrada al espacio privado e intimo de la casa, lugar por donde entra la virilidad del hombre, el cual encuentra a su izquierda el dormitorio matrimonial donde poder alojarse, o la cocina, donde “calienta” y “come” a su presa. Además he intentado que la cocina coincida con el estómago, relacionado con la comida, un cuarto de baño coincide con los intestinos, como órganos de excreción, para poder dar salida a todo lo indigesto, o lo que no es necesario para nuestro cuerpo, y otro está situado entre el dormitorio de matrimonio y el salón, como lugar intermedio para todo y adecuar, como señala Cindy Sherman, nuestra identidad antes de salir fuera.

Entre la cocina y el baño he situado una habitación donde almacenar los recuerdos (despensa o trastero) y otra donde se “purifican” los deseos o se reprimen los sentimientos (lavadero). En la parte superior, cerca del corazón y los pulmones he situado las habitaciones de los niños, porque en muchos casos la mujer sigue luchando, respirando, por sus hijos y, por el sentido maternal adscrito a la mujer aunque esta no tenga hijos.

La piel es protectora del cuerpo y fuente de toda sensibilidad, podemos sentir la blandura, el color, la suavidad. La piel es órgano de placer y dolor, se nos muestra como un libro en el que podemos leer su historia a través de las huella que dejan en ella las heridas, puesto que nuestro cuerpo es el espacio de nuestra experiencias, la manifestación de lo que somos, y porta las claves para identificarnos: nuestro color, nuestras expresiones, incluso nuestro olor es algo que nos caracteriza, cada uno tenemos un olor personal que nos diferencia y que nos empezamos en esconder “camuflándolo” tras el perfume, por eso he bañado la tela (piel) con perfume, para manifestar la artificialidad de dicho elemento, el cual nos venden bajo eslóganes de seducción, erotismo, belleza,..Las claves de lo que somos realmente son las que habitan en las que habitan en nuestra morada interior.

En la sociedad actual, caracterizada por la fragmentación , intentamos relacionarnos a través de nuestro cuerpo, fuente de comunicación, pero lo hacemos de una forma tan superficial que case podríamos decir que nos relacionamos solo físicamente, con nuestro exterior, produciéndose una ruptura entre nuestro interior y nuestro exterior en que la apariencia física de nuestro cuerpo es mero envoltorio, una vestidura que más que proteger encubre la vulnerabilidad de los verdaderos sentimientos, que solo se llegan a manifestar en el pequeño rincón reservado a la domesticidad, porque fuer nos relacionamos como si estuviéramos vacíos. Entonces, como bien señala Javier Velasco, la construcción del cuerpo es puro artificio, aunque a veces, dicho artificio, esté tan bien elaborado que se le reconozca como real.

¡YO SOY MI PROPIO ESPACIO! (Javier Velasco)

 

 

 

Conclusión de la obra personal.

La modernidad, con su multitud de ofertas y novedades, con su ritmo y estrés, bloquea en gran medida los instintos de nuestro interior, no tenemos tiempo de pensar en nosotros mismos hasta el punto de sentirnos más muertos que vivos. “Somos esclavos de juicios productivitas” “Estamos enfermos de espíritu” (Ramón Huertas Soris)

En esta sociedad el cuerpo es un paraje muy disputado, se ha abierto como lugar de intervención, su carne es al mismo tiempo receptáculo y fuente de deseo, lujuria y odio. Como un peón de la tecnología, es sagrado y sacrificial, y soporta toda la política de la sociedad y el estado. Diana Augaitis afirma que el cuerpo es nuestro vínculo común, y sin embargo nos separa en su manifestación pública de identidad, raza y género, aunque yo creo que esta artificialidad que adoptamos ante lo público mediante la máscara de la apariencia y el fingimiento no solo nos separa sino que paradójicamente nos repite, somos maniquíes, clones de la moda, réplicas de la publicidad; nuestro cuerpo se ha convertido en un lugar público que realmente no nos pertenece totalmente, aunque tratemos el cuerpo como lugar que habitamos. Desgraciadamente el cuerpo va perdiendo su carácter irrepetible porque todos queremos ser fiel reflejo de los estereotipos de belleza. Tal como decía Walter Benjamín en “la obra de arte en la época de su reproducibilidad técnica” lo que se ha perdido es la autenticidad, la relación con el origen, lo que ha llevado al desmoronamiento del aura es un eclipse de la distancia, de ritual del aquí y el ahora. Pero los mass-media no solo han modificado la esencia del arte sino del cuerpo.

“El cuerpo es un fetiche, un fantasma en un paisaje que es más asunto de la oscuridad total, donde la blancura de la piel es un territorio prohibido”. (Fernando Castro Flórez)

“Está claro que encontrar un camino de salida del –laberinto de dualismos- de Haraway no va a ser fácil. El axioma de Michel Fuocault de que las transgresiones (corporales o de otro tipo) reafirman los límites culturales mientras estos los ponen a prueba, queda demostrado con las ambigüedades y contradicciones que hay en la vida de ciencia ficción de Toni Denise”. (Mark Dery)

Referencias.

Javier Velasco. Hace performance para hablarnos del cuerpo, de sus lecturas, mensajes y engaños, mostrandose como piel de diferentes personas para evidenciar la verdadera esencia, esa pre-esencia por la que todos somos iguales, lo que esá antes de lo que nos diferencia.

Luisa Martin. Hacer proyecciones de arquitecturas sobre cuerpos desnudos.

Spence y Denté, critican el cuerpo femenino idealizado.

Katherina Sienerding. Trata de los artificios que la máscara y los cosméticos dan al cuerpo.

Nuria León. “de razas y de géneros”.

Estíbaliz Sádaba. Trabaja sobre la decosntrucción de los estereotipos femeninos vendidos por las barbies y la publicidad de la moda.

Carmela García. “modelitos de plástico”.

Marina Núñez.

Linda Mc Dowell. Las normas públicas dictan nuestros comportamientos.

Louis Bourgeois. “Femme-Maison”. Muestra un espacio privadamente traumático del cuerpo, con un componente doloroso. Trabaja con lo femenino, con el vestido y las celdas en que introduce cuerpos sin brazos, para evidenciar que está indefenso y hacerle conocer los límites.

Anthny Julius. El arte como provocación.

Rober Gober. “El cuerpo ha desaparecido, como si nunca hubiera llegado a existir”. Afirma que lo que vemos es la apariencia, por tanto no llegamos a conocer a la gente, estamos vacíos.

Paloma Navares. Hace reflexiones plásticas sobre la figura femenina, los mitos y leyendas, cuestionando como los estereotipos han arrojado al margen a la mujer.

Alex Francés. Intenta acotar, conocer su cuerpo.

Olga Adelantado. “Vajilla o Pilar”, hace referencias al hogar, la confusión cuerpo-casa de manera similar a como hizo Smithson.

Ana Casas. Se fotografía con su abuela desnuda, sin jerarquías. No en un intento de representar las edades de la mujer sino de mostrarnos un recorrido emocional y protector que una a las mujeres de su familia en el ámbito privado del hogar.

Isabel Villar. “Mujer y tigre”. Trata de la mujer ligada a la naturaleza orgánica de lo irracional. Los arquetipos creados sobre el género como sustento de la belleza y objeto de “voyerismo” masculino. Beauvoir dijo: “Las mujeres son encantadoras, y muchas tienen talento, pero como no tienen fuerza ni autoridad, ni el sentido teatral necesario, no pueden defender un solo caso en la audiencia”.

Trancey Rose. Cuestiona el ideal de belleza haciendose cortes de pelo hasta quedar calva, sin cejas, y así enfrentarse a la raza, la identidad y los estereotipos.

Minette Vari. Hace una nueva fragancia para hombres y mujeres, un perfume como reclamo a partir de olores naturales (orina) y con una apariencia estética accidentalizada, para que su diseño parezca seductor y así poder comercializarlo.

Debemos considerar también las aportaciones de arquitectos y artistas como Caramuiel, Ledoux, Le Corbusier, Wright, Dalí, Charney, Finsterlin, Masson, MAtta, Bruno Taut, Kiesler y otros muchos como Ernesto Neto.

Bibliografía (utilizada para el desarrollo de la obra teatral).

-La arquitectura como experiencia: espacio, cuerpo y sensibilidad. Alberto Saldarriaga Roa. Villegas editores. Colombia 2002.

-Edificios-cuerpo: cuerpo humano y arquitectura, analogías, metáforas, derivaciones. Juan Antonio Ramírez. Ediciones Siruela. Madrid 2003.

-El poder de las imágenes. David Freedberg. Ed. Cátedra. Madrid. 1992.

-Malas y perversas.

-El cuerpo en venta. Relación entre arte y publicidad. Juan Carlos Pérez Gauli. Cuadernos Arte Cátedra, Ed. Cátedra. Madrid,1998.

- Del arte impuro. Entre lo público y lo privado. David Pérez. Col.Arte, Estética y pensamiento, Ed. Generalitat Valenciana, Valencia.1997.

- El rostro velado. Travestismo e identidad en el arte. J.M.G. Cortés. Ed.Diputación Foral de Guipúzcoa, San Sebastián, 1997.

-La poética del espacio.J. Bachelard. F.C.E. México, 1986.

- Héroes caídos. Masculinidad y representación. AA.VV. Espai d’art contemporani de Castellón, Valencia,2002.

- El género en disputa. El feminismo y la subversión de la identidad. Judith Butler. Ed. Paidós, Género y Sociedad, Barcelona, 2001.

-Mujer, arte y sociedad. W.Chadwick. Ed.Destino, Barcelona,1992.

- El desnudo femenino. Arte, obscenidad y sexualidad. Lynda Nead. Col.Metrópolis, Editorial Tecnos, Madrid, 1998.

- Zona F. E.Cabello y A. Carceller. Ed. EACC, Valencia, 2000.

- Piel que habla:viaje a través de los cuerpos femeninos. M.Azpeita. Ed. Icaria, Barcelona, 2001.

5. B i b l i o g r a f í a. (utilizada para la escenografía)

- Los lenguajes no verbales en el teatro argentino. Beatriz Trastoy, Perla Zayas de Lima. Universidad de Buenos Aires. 1997

- Cancionero general del Franquismo 1939-1975. Manuel Vázquez Montalbán. Ed. Crítica. Barcelona. 2000.

- I classici della pittura, Toulouse- Lautrec. Armando Curcio Editore. Roma.

- Modernas y cosmopolitas. La Eva Art Decó en la revista Blanco y negro. F. Javier Pérez Rojas.

- Iconografía y creación artística. Estudios sobre la identidad femenina desde las relaciones del poder. Rosario Martínez. Aurora Miró Domínguez. Centro de ediciones de la diputación de Málaga. 2001.

-http://www.terra.com/especiales/lamoda/una_mirada_atras/los40s.html

-http://www.soloellas.com/modadelos40.html

-http://www.terra.com/especiales/lamoda/una_mirada_atras/los50s.html

-http://www.terra.com/especiales/lamoda/una_mirada_atras/los60s.html

-http://www.teatro.meti2.com.ar/tecnica/vestuario/modelaje/vestuario7

-http://www.lasestrellas.com/películas/moulinrouge1.html